คอนเซปต์ละคร. แนวความคิดของละครเป็นวรรณกรรมประเภทหนึ่ง

ละคร (จากภาษากรีก - แอ็คชั่น) - วรรณกรรมประเภทหนึ่งในสามเรื่องพร้อมกับมหากาพย์และเนื้อเพลง พื้นฐานของละครตามความหมายเริ่มต้นของคำคือการกระทำ ในเรื่องนี้ ละครใกล้เคียงกับมหากาพย์: ในทั้งสองกรณี ภาพวัตถุประสงค์ของชีวิตเกิดขึ้นผ่านเหตุการณ์ การกระทำ การปะทะกันของวีรบุรุษ การต่อสู้ นั่นคือ ผ่านปรากฏการณ์ที่ประกอบขึ้นเป็นโลกภายนอก

แต่สิ่งที่บรรยายในยุคนั้นว่าเป็นเหตุการณ์ที่เกิดขึ้น (หรือระบบเหตุการณ์) ถูกนำเสนอในละครว่าเป็นเหตุการณ์ที่มีชีวิตซึ่งแผ่ออกไปในกาลปัจจุบัน (ต่อหน้าต่อตาคนดู!)

แสดงผ่านความขัดแย้งและในรูปแบบของการสนทนา จากความแตกต่างที่กล่าวถึง เราไม่ควรสรุปเกี่ยวกับความเหนือกว่าของวรรณกรรมประเภทหนึ่งเหนืออีกประเภทหนึ่ง ละครบรรลุอิทธิพลทางอารมณ์และสุนทรียภาพด้วยวิธีการทางศิลปะที่เป็นเอกลักษณ์เฉพาะของตัวเอง ไม่มีโอกาสอื่นใดนอกจากคำพูดที่จะพูด "จากตัวเขาเอง" นักเขียนบทละครได้โอนจุดศูนย์กลางของน้ำหนักไปยังภาพของกระบวนการดำเนินการเองทำให้ผู้ชม (หรือผู้อ่าน) เป็นพยานถึงสิ่งที่เกิดขึ้น: วีรบุรุษ ของละครต้องแสดงลักษณะของตนเองด้วยการกระทำ ภาษา ทำให้เกิดความเห็นอกเห็นใจหรือความขุ่นเคือง ความเคารพหรือดูถูก เป็นต้น

ในการแสดงละคร ศิลปะประเภทต่าง ๆ มีอยู่ร่วมกันมากที่สุด: บทกวีและดนตรี ภาพวาดและสถาปัตยกรรม การเต้นรำและการแสดงออกทางสีหน้า ฯลฯ ทั้งหมดนี้เป็นผลจากความพยายามสร้างสรรค์ร่วมกันของนักเขียนบทละคร นักแสดง ผู้กำกับ ศิลปิน นักดนตรี แม้แต่วิศวกรเวที

จุดประสงค์ที่งดงามของละครกำหนดลักษณะทางวรรณกรรมที่เฉพาะเจาะจง: คุณสมบัติของการเลือกและการสร้างพล็อต, ความคิดริเริ่มของการพรรณนาของตัวละคร, ข้อต่อองค์ประกอบ ออกแบบมาเพื่อผลกระทบทางอารมณ์โดยรวม ละครเรื่องนี้พยายามกระตุ้นผู้ชมด้วยความขัดแย้งที่รุนแรงเป็นพิเศษ ความตึงเครียดของการต่อสู้ที่ตัวละครนำไปสู่เมื่อความสนใจของพวกเขาขัดแย้งกัน “ละครเกิดขึ้นที่จัตุรัสและเป็นความสนุกสนานของผู้คน” เอ. เอส. พุชกิน เขียน จำเป็นต้องแยกความแตกต่างระหว่างละครว่าเป็นวรรณกรรมประเภทใดประเภทหนึ่ง และละครเป็นประเภทงานละคร

ในแง่หลัง ละครเป็นการเล่นในลักษณะทางสังคมหรือในชีวิตประจำวันที่มีความขัดแย้งรุนแรงซึ่งพัฒนาด้วยความตึงเครียดอย่างต่อเนื่อง ตัวเอกของละครส่วนใหญ่เป็นคนธรรมดาทั่วไป ต้นกำเนิดของละครเป็นประเภทสามารถเห็นได้ในละครยุคโบราณ (“Ion” โดย Euripides) แต่ได้รับการเผยแพร่อย่างมีนัยสำคัญตั้งแต่ศตวรรษที่ 18

(ยังไม่มีการให้คะแนน)

กระทู้ที่เกี่ยวข้อง:

1. แนวโรแมนติกเป็นหนึ่งในแนวโน้มชั้นนำในวรรณคดี วิทยาศาสตร์ และศิลปะ เกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ในเยอรมนี อังกฤษ และฝรั่งเศส และตั้งแต่ต้นศตวรรษที่ 19 ค่อยๆ กระจายไปทั่วยุโรปและสหรัฐอเมริกา ในศตวรรษที่ 18 ทุกสิ่งที่แปลก มหัศจรรย์ แปลกประหลาดที่พบได้เฉพาะในหนังสือ (นวนิยาย) และไม่ใช่ในชีวิต เรียกว่าโรแมนติก […]...
2. วรรณกรรมโบราณประเภทหนึ่งที่ได้รับความนิยมคือฉากการประสูติ ตาม O. Biletsky "... ละครฉากการประสูติ (เห็นได้ชัดว่ามีต้นกำเนิดในศตวรรษที่ 17 แต่เราไม่รู้จักตำราก่อนยุค 70 ของศตวรรษที่ 18) เป็นอีกเรื่องหนึ่งในรุ่นก่อนของภาพยนตร์ตลกยูเครนเรื่อง 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 .”. A. Kozlov ในหนังสือ "ละครยูเครนก่อนเดือนตุลาคม: วิวัฒนาการของประเภท" ตั้งข้อสังเกต […]...
3. Bertolt Brecht (1898-1956) เป็นหนี้ชื่อเสียงไปทั่วโลกในโรงละคร ในช่วงปลายทศวรรษ 1920 เบรชท์ได้กำหนดทฤษฎีของ "โรงละครที่ยิ่งใหญ่" ซึ่งตรงกันข้ามกับ "ละคร" หลักการสำคัญของโรงละครมหากาพย์ของ Brecht คือ "ผลการแปลกแยก" หลักการนี้ให้การพรรณนาถึงความธรรมดาที่ไม่ธรรมดา ปัญหาความรับผิดชอบทางศีลธรรมของมนุษย์ต่อทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในโลก Brecht ยกขึ้นอย่างรวดเร็วในละครเรื่อง "The Life of Galileo" ตามประเภท […]
4. Alexander Nikolayevich Ostrovsky เป็นนักเขียนบทละครชาวรัสเซียที่ยอดเยี่ยมซึ่งผลงานของเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาวรรณกรรมรัสเซียและโรงละครรัสเซีย ออสทรอฟสกีเขียนบทละครมากมายที่ยังไม่สูญเสียความนิยมมาจนถึงทุกวันนี้ พวกเขามักจะแสดงบนเวทีของโรงละครรัสเซียและต่างประเทศ หนึ่งในผลงานเหล่านี้คือละครเรื่อง "สินสอดทองหมั้น" ชื่อเรื่องของละครเรื่องนี้สะท้อนให้เห็นถึงด้านโลกีย์ของความโชคร้ายของ Larisa [...] ...
5. A. S. Pushkin เขียนว่า "Boris Godunov" ในปี พ.ศ. 2368 ภายใต้ความประทับใจครั้งใหม่ของเล่ม X และ XI ของ "History of the Russian State" โดย N. M. Karamzin เขาอุทิศละครให้กับเขา ตามที่นักประวัติศาสตร์ S. B. Veselovsky พรรณนาถึงซาร์บอริสโดยพงศาวดารในฐานะเผด็จการได้กลายเป็นการใส่ร้ายตามประเพณีตั้งแต่รัชสมัยของมิคาอิลโรมัน (งานอมตะ) ov. คำตอบที่มั่นใจสำหรับคำถามเกี่ยวกับการมีส่วนร่วมของ Godunov ใน […]
6. จากวรรณกรรมรัสเซียของศตวรรษที่สิบเก้า Ostrovsky ความคิดริเริ่มเชิงอุดมคติและศิลปะของละคร "พายุฝนฟ้าคะนอง" ประเภท - ละครดราม่าโดดเด่นด้วยความจริงที่ว่ามันขึ้นอยู่กับความขัดแย้งของแต่ละบุคคลและสังคมโดยรอบ โศกนาฏกรรมมีลักษณะเป็นความรู้สึกผิดที่น่าสลดใจที่หลอกหลอนตัวเอก นำเขาไปสู่ความตาย ความคิดของโชคชะตา, โชคชะตา; catharsis (ความรู้สึกของการทำให้บริสุทธิ์ทางวิญญาณที่เกิดขึ้นในตัวแสดง [... ] ...
7. บทความ. การเขียนในประเภทของบทความเชิงวรรณกรรมเป็นเรื่องที่ซับซ้อนและมีความรับผิดชอบมากที่สุด เนื่องจากไม่เพียงต้องการทัศนคติที่สำคัญต่องานเท่านั้น แต่ยังต้องมีทัศนคติในการวิจัยอีกด้วย คุณต้องค้นพบสิ่งใหม่ ๆ ในงาน สิ่งที่ยังไม่กลายเป็นหัวข้อของการวิจัยทางวิทยาศาสตร์ เรียงความประเภทนี้ควรเป็นแนวความคิด กล่าวคือ สะท้อนวิสัยทัศน์ ความเข้าใจ และการประเมินผลงานของผู้เขียน คุณสามารถพูด […]
8. วรรณคดีจำพวก. ประเภทวรรณกรรม Epos, เนื้อเพลง, ละคร ประเภทวรรณกรรมคือกลุ่มของประเภทที่มีลักษณะโครงสร้างคล้ายคลึงกัน งานศิลปะมีความแตกต่างกันอย่างมากในการเลือกปรากฏการณ์ที่พรรณนาของความเป็นจริง ในรูปแบบของการเป็นตัวแทน ในการครอบงำของหลักการวัตถุประสงค์หรืออัตนัย ในองค์ประกอบ ในรูปแบบของการแสดงออกทางวาจา ในความหมายที่เป็นรูปเป็นร่างและแสดงออก แต่ในขณะเดียวกัน งานวรรณกรรมต่าง ๆ เหล่านี้สามารถแบ่งออกเป็น [...] ...
9. KALINOV และแผนกของมัน (อิงจากละครของ A. N. Ostrovsky เรื่อง "Thunderstorm") ในละครคลาสสิกซึ่ง A. N. Ostrovsky เป็นตัวแทนที่ไม่อาจปฏิเสธได้ หลักการสำหรับการก่อสร้างงานใดๆ ถูกกำหนดโดยความสามัคคีของสามเงื่อนไข: เวลา สถานที่และการกระทำ เวลาในการแสดงใช้เวลาสิบสองวันในชีวิตอันน่าทึ่งของตัวละคร สถานที่ที่เหตุการณ์หลักของละครเรื่อง "Thunderstorm" เกิดขึ้น Ostrovsky กำหนดได้ค่อนข้างแม่นยำ - เมือง Kalinov จาก […]...
10. Henrik Ibsen - นักเขียนบทละครชาวนอร์เวย์ที่มีชื่อเสียงในละครเรื่อง "The Struggle for the Throne" แสดงตัวละครหลักสองตัว - ผู้เข้าชิงบัลลังก์แห่งนอร์เวย์ หนึ่งในนั้นคือ Haakon Haakonsen ได้รับการเสนอให้ครองราชย์โดยขุนนาง อีกคนเป็นคนหัวโบราณชื่อจาร์ล สคูล นอกจากนี้ ยัตเกร์ ชายหนุ่มผู้เป็นนักร้องเร่ร่อนธรรมดา ได้เข้าสู่การต่อสู้เพื่อชิงบัลลังก์ ต่างจาก […]...
11. William Tell (1804) เป็นละครสุดท้ายของชิลเลอร์ที่จบแล้ว นี่เป็นศิลปะพื้นบ้านอย่างแท้จริง มันขึ้นอยู่กับตำนานของการต่อสู้ของชาวนาสวิสกับแอกออสเตรียในศตวรรษที่สิบสี่ และเกี่ยวกับมือปืนที่มีเป้าหมายดี วิลเฮล์ม เทล ฮีโร่ของนิทานพื้นบ้านชาวสวิส ชิลเลอร์แสดงให้เห็นถึงความโหดเหี้ยมของผู้พิชิตออสเตรียและการต่อต้านอย่างกล้าหาญของชาวสวิส Baumgarten ชาวนาฆ่าอุปราชของจักรพรรดิเพื่อการลอบสังหาร [... ] ...
12. ในงานของเขา Taras Shevchenko ครั้งแล้วครั้งเล่าหันไปหาอดีตทางประวัติศาสตร์ของผู้คนของเขาโดยมองหาคำตอบสำหรับปัญหาเฉียบพลันของเวลาของเราที่นั่น ยุคของคอสแซคกระตุ้นความชื่นชมเป็นพิเศษต่อศิลปินด้วยความกล้าหาญและอารมณ์รักอิสระ ดังนั้นเขามักจะแสดงให้เห็นในผลงานของเขาว่าเป็นแบบอย่างของชีวิตที่คู่ควรกับบุคคลโดยโต้แย้งความจำเป็นในการต่อสู้กับระบบศักดินาเผด็จการซึ่งทำให้ศักดิ์ศรีของชาติอับอาย [... ] ...
13. เราเสนอคำจำกัดความที่เป็นมาตรฐานและเป็นมาตรฐานดั้งเดิมของแก่นแท้ของความขัดแย้งอันน่าทึ่ง: เป็นการแสดงภาพการปะทะกันที่คมชัดของความคิดที่เป็นปฏิปักษ์ หลักการทางศีลธรรม ตัวละคร พลังทางสังคมที่หลากหลาย และแนวโน้มทางประวัติศาสตร์ ตอนนี้คำถามคือ: คำจำกัดความข้างต้นช่วยให้เข้าใจเนื้อหาของ The Thunderstorm ได้ดียิ่งขึ้นในระดับใด อย่ารีบตอบคิด ดูเหมือนว่าทุกอย่างถูกต้อง: แน่นอน Ostrovsky มีเฉียบพลัน […]
14. ละครเป็นวรรณกรรมศิลปะชนิดพิเศษ คุณสมบัติหลักคือรูปแบบโต้ตอบและการแสดงภาพการกระทำ หากมหากาพย์เล่าถึงผู้คน เหตุการณ์ที่พวกเขามีส่วนร่วม สภาพแวดล้อมที่เหตุการณ์เหล่านี้เกิดขึ้น หากเนื้อร้องแสดงถึงประสบการณ์ของบุคคล ละครเรื่องนี้จึงแสดงเหตุการณ์และเผยให้เห็นตัวละครของตัวละครไม่ผ่านผู้เขียน การประเมินแต่โดยตนเอง […].. .
15. รูปแบบดั้งเดิมของ auto-epitaph ถูกใช้โดยกวีชาวอเมริกัน Edgar Lee Masters (1869-1959) กวีสมัครเล่นที่รู้จักกันน้อยตีพิมพ์ The Spoon River Anthology ในปี 1915 ซึ่งทำให้เขาโด่งดังและหนังสือเล่มนี้ยังคงเป็นหนังสือขายดีเป็นเวลาหลายปีและได้รับการแปลเป็นหลายภาษาของโลก สิบปีต่อมา เขาปล่อย The New Spoon River หนังสือทั้งสองเล่มนำมารวมกันห้าร้อยห้าสิบคำจารึกจากชาวเมืองเล็ก ๆ แห่งหนึ่งในยุคกลาง […]...
16. ลวดลายในโครงเรื่องไม่สามารถจัดเรียงตามอำเภอใจได้ พวกเขาเชื่อมต่อกันในลำดับที่แน่นอน: อันหนึ่งตามมาจากที่อื่นและทำนายการปรากฏตัวของที่สาม โครงเรื่องมีแกนการเล่าเรื่อง - หลักสำคัญที่แสดงความคิดของเทพนิยายได้ชัดเจนที่สุด ตัวอย่างเช่นสำหรับเทพนิยาย "Fight on the Kalinov Bridge" แรงจูงใจหลักคือการต่อสู้ของฮีโร่กับงูแม้ว่าจะมีแรงจูงใจอื่น ๆ อยู่ในนั้น: [... ] ...
17. จุดสุดยอดของการต่อสู้ระหว่างราชินีทั้งสอง - การพบกันของเอลิซาเบ ธ กับแมรี่ - เขียนโดยชิลเลอร์พร้อมละครพิเศษ ในตอนแรก เอลิซาเบธกำลังวางตัวต่อคู่ต่อสู้ของเธอ เพราะเธอตระหนักถึงความเหนือกว่าของเธอ ซึ่งประกอบด้วยข้อเท็จจริงที่ว่าเธอมีอำนาจทางการเมือง แมรี่รู้สึกถึงความอ่อนแอของเธอและขอความเมตตาจากเอลิซาเบธอย่างนอบน้อม แต่ เมื่อ เอลิซาเบธ พูด ดูถูก ว่า มาเรีย เป็น […]
18. โดยทั่วไปแล้ว การพูดเกี่ยวกับประเภทและรูปแบบของ "ใครอยู่ได้ดีในรัสเซีย" เราต้องจำไว้ว่าบทกวีของ Nekrasov นั้นใกล้เคียงกับแนวการเล่าเรื่องร้อยแก้วมากกว่าบทกวีโดยเฉพาะบทกวีมหากาพย์แห่งทศวรรษ 1920 ในหลาย ๆ ด้าน และทศวรรษที่ 1930 ศตวรรษที่ 19 ผู้เขียนงานทั้งสองใช้รูปแบบประเภทที่กว้างขวางมาก - รูปแบบของการเดินทางช่วยให้ในลำดับใด ๆ [...] ...
19. โดยธรรมชาติแล้ว ละครมีขึ้นเพื่อจัดฉาก ดังนั้นจึงมีความแตกต่างในเชิงคุณภาพจากวรรณกรรมประเภทอื่นๆ สำหรับละคร มีข้อจำกัดบางประการทั้งในเรื่องจำนวนตัวละครที่แสดงและในระยะเวลาของการดำเนินการ นั่นคือเหตุผลที่ภาระพิเศษตกอยู่ในความขัดแย้ง การปะทะกันอย่างรุนแรงระหว่างตัวละครในประเด็นที่สำคัญและสำคัญมากสำหรับพวกเขา มิฉะนั้น เหล่าฮีโร่ […]
20. ไดอารี่เป็นงานที่เขียนด้วยบุคคลที่หนึ่งในรูปแบบของรายการรายวัน (ส่วนใหญ่มักลงวันที่) หรือรายการวารสารร่วมสมัยกับเหตุการณ์ที่อธิบายไว้ ความจำเพาะของประเภทนี้คือ "ผู้เขียนไดอารี่ก้าวหน้าไปโดยบังเอิญยังไม่รู้ชะตากรรมของเขาหรือชะตากรรมของคนรู้จักของเขา เป็นพลวัตแบบก้าวหน้าที่เต็มไปด้วยอุบัติเหตุและเหตุการณ์ที่ไม่ได้รับการยืนยัน” M. Voloshin เขียนว่า:“ ที่ไหนสักแห่งที่ฉันพบ [... ] ...
21. เด็ก Pepsi-Cola สมควรเข้านอน - และฤดูใบไม้ร่วงของผู้เฒ่าก็กินเวลานาน ความเสี่ยงใดที่จะกลายเป็นฤดูใบไม้ผลิ ... Shaitan-carba ลุกขึ้นไม่ไปเลย การเปิดเผยใหม่ต้องใช้โมเด็มใหม่... Boris Grebenshchikov Victor Pelevin บางครั้งถูกมองว่าเป็นนักคิด นักโพสต์โมเดิร์นนิสต์ หรือนักเสียดสีแบบดั้งเดิม มุมมองของเขาต่อสังคมและมนุษย์ประสบการณ์ชีวิตของเขา Pelevin [... ] ...
22. Blok คิดเป็นเวลานานเกี่ยวกับภาพของ Gaetan และสร้างมันขึ้นมาตามมุมมองด้านสุนทรียะในยุคสังเคราะห์ของเขา นี่คือหลักฐานจากประวัติศาสตร์สร้างสรรค์ของละคร ภาพลักษณ์ของ Gaetan สะท้อนถึงช่วงเวลาสำคัญในวิวัฒนาการของมุมมองด้านสุนทรียศาสตร์ของกวีเอง ผู้เขียนจงใจกีดกัน Gaetan จากความสัมพันธ์ทางสังคมของมนุษย์ทั้งหมด อันที่จริง คำอธิบายสำหรับโรงละครศิลปะพูดถึงแนวความคิดที่ดีของการสร้างสรรค์งานศิลปะ […]
23. ผลงานที่โดดเด่นที่สุดชิ้นหนึ่งที่กล่าวถึงประวัติศาสตร์ของรัสเซียคือละครเรื่อง "บอริส โกดูนอฟ" ซึ่งโดดเด่นในขอบเขตที่ครอบคลุมของชีวิตชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 17 ความสำเร็จที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของพุชกินนักเขียนบทละครได้แสดงออกมาในการสร้างตัวละครที่มีเอกลักษณ์เฉพาะตัวของการแสดง หนึ่งในภาพที่โดดเด่นที่สุดในงานคือภาพพงศาวดาร Pimen ไม่สามารถสร้างภาพที่สมบูรณ์ได้หากไม่มีคำอธิบายเกี่ยวกับเซลล์ของสงฆ์ - […]...
24. ในงานของเขา "พันปีแห่งวัฒนธรรมยูเครน" Myroslav Semchiship ยืนยันว่า: "ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 ในรัชสมัยของ I. Vigovsky, Y. Khmelnychenko, P. Tyuri, I. Bryukhovetsky, P. Doroshenko, I. Mazepa ผู้ซึ่งยึดมั่นในแนวทางที่แตกต่างกัน - ไม่ว่าจะเป็นซาร์รัสเซียจากนั้นก็ถึงกษัตริย์โปแลนด์แล้วต่อสุลต่านตุรกี หรือสำหรับกษัตริย์สวีเดน ยูเครนได้กลายเป็นเวทีคงที่ [...]...
25. ละครเป็นวรรณกรรมประเภทหนึ่งผสมผสานภาพลักษณ์ของตัวละครและเหตุการณ์ (เช่นในมหากาพย์) ในรูปแบบการกระทำโดยตรง การแสดงออก (เช่นเดียวกับในเนื้อเพลง) ละครเรื่องนี้สร้างขึ้นจากบทสนทนาและบทพูดคนเดียวของตัวละคร ดังนั้นข้อความจึงมีความสำคัญอย่างยิ่งในการอธิบายสถานที่และเวลาของการกระทำ ในการสร้างภาพของวีรบุรุษ การแทรกแซงของผู้เขียนในการดำเนินการของละครมีจำกัดมาก ตามกฎแล้วผู้เขียนสามารถ [... ]
26. เนื้อหาในชีวิตมนุษย์คืออะไร? มันควรจะเป็นอะไร? ต้องใช้อะไรให้เต็มชีวิตมีความสุขใช่ไหมคะ? คำถามเหล่านี้สะท้อนถึงปัญหาหลักของละครเรื่อง “Forest Song” จะต้องมีประสบการณ์ชีวิตที่โดดเด่น สามารถรัก ให้อภัย และเชื่อได้ ศรัทธานี้เป็นเพลงสรรเสริญความสามัคคีของมนุษย์และธรรมชาตินี้เป็นเพลงที่จริงใจเกี่ยวกับ [... ] ...
27. มองหาการดุเช่นนี้และเช่น Savel Prokofich ท่ามกลางพวกเรา! A. N. Ostrovsky ละครของ Alexander Nikolaevich Ostrovsky "พายุฝนฟ้าคะนอง" เป็นเวลาหลายปีกลายเป็นงานตำราที่บรรยายถึง "อาณาจักรมืด" ซึ่งระงับความรู้สึกและแรงบันดาลใจที่ดีที่สุดของมนุษย์พยายามบังคับให้ทุกคนใช้ชีวิตตามกฎหมายที่หยาบกร้าน ไม่มีการคิดอย่างอิสระ - การเชื่อฟังผู้เฒ่าอย่างไม่มีเงื่อนไขและสมบูรณ์ ผู้ถือ “อุดมการณ์” นี้ เป็นพวกพ้อง […]
28. บทกวีละคร "Yaroslav the Wise" Kocherga เริ่มขึ้นเมื่อเขากลับมาจากการอพยพ เขาเดินทางผ่านสถานที่เหล่านั้นซึ่งแทบไม่หลุดพ้นจากรองเท้าบู๊ตฟาสซิสต์ ดวงตาของเขาไม่ผ่านซากปรักหักพังและเปลวเพลิง ภัยพิบัติของผู้คน เขาได้ยินโดยตรงเกี่ยวกับอาชญากรรมของชาวเยอรมัน เกี่ยวกับความกล้าหาญและความกล้าหาญของทหารในกองทัพของเรา เกี่ยวกับความปรารถนาของพวกเขาที่จะอยู่ในดินแดนที่เป็นอิสระ […]...
29. MP Starytsky เป็นหนึ่งในบุคคลสำคัญของละครยูเครน เขาทิ้งรอยลึกเกี่ยวกับวัฒนธรรมยูเครน นอกจากงานละครแล้ว เขายังเขียนกวีนิพนธ์และร้อยแก้ว เป็นนักแสดงที่โดดเด่น ผู้กำกับที่มีความสามารถ และเป็นบุคคลสาธารณะที่มีมโนธรรม เขามาจากครอบครัวเจ้าของที่ดินที่ยากจน ที่ซึ่งนิตยสาร Sovremennik, Otechestvennye Zapiski ทำงานโดยนักเขียนชาวรัสเซียและชาวต่างประเทศ Kobzar ของ Shevchenko และกลุ่มชาวยูเครน […]
30. มันคือ 3172 ปีก่อนคริสตกาล ความดีและความเมตตาอย่างสมบูรณ์ครองโลก ชาวโลก EinCraft ทั้งหมดอาศัยอยู่อย่างกลมกลืนกับธรรมชาติอย่างสมบูรณ์ และอยู่ร่วมกันอย่างเรียบง่าย สัตว์ธรรมดาเดินไปทั่วโลก ต้นไม้ต่าง ๆ ขึ้นมากมาย เพื่อให้ผู้คนสามารถใช้ทรัพยากรธรรมชาติและใช้ได้อย่างอิสระ หลายคนประกอบอาชีพเกษตรกรรม [...] ...
31. ภาพของเทียนไหลผ่านละครทั้งหมดของ I. Kocherga "งานแต่งงานของ Svechka" ผู้เขียนแสดงให้เห็นว่าการต่อสู้เพื่ออิสรภาพเริ่มต้นจากการต่อสู้เพื่อสิทธิในแสงสว่างได้อย่างไร ไฟของการลุกฮือของประชาชนลุกโชนขึ้นจากเปลวเทียน เริ่มต้นจากเอกสารทางประวัติศาสตร์จดหมายของเจ้าชายลิทัวเนียในปี 1494 และ 1506 นักเขียนบทละครในจินตนาการของเขาวาดภาพการต่อสู้ของชาวเคียฟเพื่อโลกอย่างแท้จริงตั้งแต่ [... ] ...
32. ผลงานของ M. Gorky ครอบครองสถานที่พิเศษมากในประวัติศาสตร์ละครรัสเซีย ผู้เขียนหันไปที่โรงละครเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 และกลายเป็นผู้สืบทอดประเพณีละครรัสเซียในศตวรรษที่ 19 อย่างแท้จริง กอร์กีเชื่อว่าจุดประสงค์หลักของละครเรื่องนี้คือเพื่อพรรณนาถึง "มนุษย์กับผู้คน" ซึ่งเป็นภาพสะท้อนของอิทธิพลของโชคชะตาที่มีต่อการพัฒนาและการก่อตัวของบุคลิกภาพของมนุษย์ นอกจากนี้ในผลงานของ Gorky ยังมี [...] ...
33. ละคร "พายุฝนฟ้าคะนอง" เขียนขึ้นระหว่างการเดินทางของนักเขียนในปี พ.ศ. 2399 ตามแนวแม่น้ำโวลก้า นักเขียนบทละครจึงตัดสินใจเขียนเรื่องราวเป็นวัฏจักรที่จะเล่าถึงชีวิตของพ่อค้าชาวจังหวัด ชื่อของวัฏจักรนี้ถูกสร้างขึ้น -“ Nights on the Volga” แต่ด้วยเหตุผลบางอย่างวัฏจักรไม่ได้ผล แต่ Ostrovsky เขียนละครที่โด่งดังที่สุดเรื่องหนึ่ง แน่นอนว่านี่คือ “พายุฝนฟ้าคะนอง” ซึ่งไม่ […]
34. เป็นเวลากว่าสองพันปีที่นักวิจัยให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดกับปัญหาประเภทและประเภทวรรณกรรม หากทุกอย่างชัดเจนมากหรือน้อยในส่วนแรกของมัน: นักวิทยาศาสตร์ส่วนใหญ่ยอมรับว่าวรรณกรรมมีสามประเภท - มหากาพย์ บทกวีและละคร จากนั้นในส่วนที่สอง - เรามีมุมมองที่แตกต่างกันและค่อนข้างขัดแย้งกัน ถัดจากแนวคิดของ “ประเภท” ยังมี [...] ...
35. ในนิทานพื้นบ้านของทุกคนในโลกมีตำนาน รากของคำว่า "ตำนาน" ย้อนกลับไปในสมัยกรีกโบราณ - หมายถึง "ประเพณี, ตำนาน" ตำนานเป็นแหล่งกำเนิดของมนุษย์ พวกเขาเกิดขึ้นในสมัยโบราณเมื่อผู้คนยังไม่สามารถอธิบายปรากฏการณ์ของธรรมชาติโครงสร้างของโลกและที่มาของมนุษยชาติได้อย่างเป็นวิทยาศาสตร์ พฤติกรรมและจิตสำนึกของบรรพบุรุษที่อยู่ห่างไกลของเราได้รับการชี้นำในกรณีส่วนใหญ่ [... ] ...
36. ความสำเร็จทางศิลปะสูงสุดของ A. N. Ostrovsky ในช่วงก่อนการปฏิรูปคือละครเรื่อง "Thunderstorm" ผู้เขียนพาเราไปยังเมืองการค้าของจังหวัด Kalinov ซึ่งชาวเมืองยึดติดอยู่กับวิถีชีวิตที่เป็นที่ยอมรับมานานหลายศตวรรษอย่างดื้อรั้น แต่ในช่วงเริ่มต้นของการเล่น เห็นได้ชัดว่าค่านิยมสากลของมนุษย์ที่สนับสนุนโดย Domostroy ได้สูญเสียความหมายไปนานแล้วสำหรับ [... ] ...
37. สวัสดีแอนตัน! คุณทำอะไรในฤดูร้อน คุณอาจว่ายน้ำ อาบแดด และใช้เวลาช่วงเย็นทั้งหมดนั่งอยู่หน้าจอทีวี ฉันรู้ว่าคุณหลงใหลในนักสืบ! อันที่จริงกระแสนักสืบในช่องทีวีและในโรงภาพยนตร์ล้นหลาม มีหนังระทึกขวัญและการผจญภัยของ "ซุปเปอร์แมน" ของอเมริกาและ "อัศวินที่ปราศจากความกลัวและตำหนิ" ของรัสเซีย ... แต่มีนักสืบจิตวิทยาเพียงไม่กี่คน คุณเห็นด้วยกับฉันไหม? อาจจะ, […]...
38. ความสำเร็จทางศิลปะสูงสุดของ A. H. Ostrovsky ในช่วงก่อนการปฏิรูปคือละครเรื่อง "Thunderstorm" ผู้เขียนพาเราไปยังเมืองการค้าของจังหวัด Kalinov ซึ่งชาวเมืองยึดติดอยู่กับวิถีชีวิตที่เป็นที่ยอมรับมานานหลายศตวรรษอย่างดื้อรั้น แต่ในช่วงเริ่มต้นของการเล่น เห็นได้ชัดว่าค่านิยมสากลของมนุษย์ที่ผู้สนับสนุนของ Domostroy ได้สูญเสียความหมายไปนานแล้วสำหรับชาวคาลินอฟที่โง่เขลา สำหรับ […]...
39. ส่วนที่ 3 องค์ประกอบของตัวละครเชิงตรรกะ บทความในรูปแบบของบทความวิจารณ์วรรณกรรม ในวิธีการสอนวรรณกรรม มีวิธีการที่แตกต่างกันในการทำความเข้าใจว่าเรียงความในประเภทของบทความวิจารณ์วรรณกรรมคืออะไร นักระเบียบวิธีหลายคนที่เกี่ยวข้องกับปัญหาของการแต่งเพลงเชื่อว่าแนวเพลงนี้ใช้ได้กับการแต่งเพลงดั้งเดิมส่วนใหญ่ที่นักเรียนสร้างขึ้น ตัวอย่างเช่น T. A. Kalganova เสนอแง่มุมต่อไปนี้ในการเน้นประเภทนี้: “โรงเรียน [...] ...

พื้นฐานทางทฤษฎีเพื่อการศึกษาละคร

การศึกษาเชิงทฤษฎีเกี่ยวกับละครเริ่มต้นตั้งแต่สมัยของอริสโตเติล ซึ่งกำหนดสมมติฐานตามบัญญัติของแนวคิดดั้งเดิมเกี่ยวกับละครและประเภทหลักโดยอิงจากการสังเกตของโรงละครกรีกโบราณในยุคคลาสสิก ตราบใดที่รูปแบบของศิลปะมุ่งเน้นไปที่แบบจำลองคลาสสิกและแนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์แบบดั้งเดิมในระดับหนึ่ง ทฤษฎีโรงละครของอริสโตเติลก็ไม่เปลี่ยนแปลงไปอย่างมาก สถานการณ์เปลี่ยนไปในศตวรรษที่ 20 ด้วยการถือกำเนิดของยุคของความทันสมัยซึ่งเกี่ยวข้องกับความจำเป็นในการให้เหตุผลทางทฤษฎีใหม่สำหรับประเด็นต่างๆ .)

ปัญหาหนึ่งที่เกิดขึ้นในกระบวนการสอนของโรงเรียนคือความแตกต่างระหว่างแนวคิดเรื่อง "ละคร" และ "วิทยาการละคร"

แนวคิดของ "ละคร" ในแหล่งข้อมูลทางวิทยาศาสตร์ได้รับการตีความอย่างชัดเจน (ตามประเพณีของอริสโตเติล) ​​- "หนึ่งในสามประเภทของวรรณกรรม (พร้อมกับมหากาพย์และเนื้อเพลง) ละครเป็นของโรงละครและวรรณกรรมในเวลาเดียวกัน: เป็นหลักการพื้นฐานของการแสดง มันยังรับรู้ในการอ่าน

ในบางแหล่ง มีความพยายามที่จะกำหนดหลักการเชิงโครงสร้างอย่างใดอย่างหนึ่งในคำจำกัดความของละคร ตัวอย่างเช่น "งานวรรณกรรมประเภทหนึ่งในรูปแบบโต้ตอบซึ่งมีไว้สำหรับการแสดงบนเวที" กล่าวเพิ่มเติมว่าละคร "เช่นเดียวกับศิลปะรูปแบบอื่น ๆ เป็นรูปแบบหนึ่งของจิตสำนึกทางสังคม" วศ.บ. ในการวิจัยของเขา คาลิเซฟเข้าใจละครว่าเป็น "ศิลปะวาจารูปแบบหนึ่งที่มีนัยสำคัญ" และจุดประสงค์ของการแสดงก็มาจากเบื้องหลัง. สิ่งนี้ทำให้เกิดคำถามว่าละครคืออะไร - "งานวรรณกรรมชนิดหนึ่ง" หรือ - "รูปแบบหนึ่งของศิลปะ" ในวงกว้างกว่าและแนวคิดนี้เกี่ยวข้องกับแนวคิดเรื่องการแสดงละครอย่างไร

นักวิจัย I.N. Chistyukhin ถือว่าละครเป็นแนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์อย่างแท้จริง ซึ่งเผยให้เห็นถึงระดับการต่อสู้ที่รุนแรงในการดำรงอยู่ของบุคคล แก่นแท้ของการต่อสู้ครั้งนี้ไม่ได้อยู่ที่ความตายหรือความพ่ายแพ้ที่น่าเศร้า (เช่นในโศกนาฏกรรม) ไม่ใช่ในการเยาะเย้ยบางสิ่ง (เช่นในเรื่องตลก) แต่ในความขัดแย้งเองซึ่งแสดงถึงความตึงเครียดของการดำรงอยู่ของมนุษย์ กล่าวคือ ในความหมายที่กว้างที่สุด ละครเป็นแนวคิดเกี่ยวกับสุนทรียศาสตร์

ในพจนานุกรมศัพท์ละครของ ป. ปาวี ละครถูกตีความว่าเป็น "ข้อความที่เขียนขึ้นสำหรับบทบาทต่างๆ และบนพื้นฐานของการกระทำความขัดแย้ง" กล่าวคือ ละครเป็นที่เข้าใจกันว่าเป็นข้อความละครเฉพาะที่เขียนขึ้นเพื่อการจุติของละคร

ทั้งในการศึกษาวรรณกรรมและละคร คำว่า "ละคร" ใช้เพื่อระบุประเภทละครพิเศษ (ละครชนชั้นกลาง ละครโคลงสั้น ๆ ละครโรแมนติก)

ละครเกิดขึ้นในช่วงเวลาของการเกิดของโรงละครและเป็นผลงานของนักเขียนบทละคร ในพจนานุกรมศัพท์วรรณกรรม บทละครเป็นที่เข้าใจในประการแรกว่าเป็น “คำพ้องความหมายสำหรับแนวคิดละคร เป็นวรรณกรรม ใจดี หรือชุดงานละครของนักเขียนคนเดียว ทิศทางหรือยุค ชาติ ภูมิภาค” และประการที่สอง เป็น “โครงเรื่องและองค์ประกอบพื้นฐานของละคร ภาพยนตร์ หรือภาพยนตร์โทรทัศน์ที่มีรายละเอียดระบุเป็นกฎเกณฑ์ บันทึกไว้ด้วยวาจา ” ดังนั้น นักวิชาการวรรณกรรมจึงเข้าใจว่าการละครเป็นรูปแบบศิลปะข้ามสายพันธุ์ที่สร้างขึ้นโดยชุมชนของศิลปะประเภทต่างๆ ได้แก่ นักเขียน นักแต่งเพลง ศิลปิน นักแสดง ผู้กำกับ

ในการกำหนดแนวคิดเรื่อง "ละคร" สมัยใหม่ การศึกษาการละครพยายามไปไกลกว่ากรอบของข้อความวรรณกรรมเท่านั้น ความเข้าใจใน "กิจกรรมของนักเขียนบทละคร ประกอบด้วยการเปรียบเทียบเนื้อหาที่เป็นข้อความและขั้นตอนการระบุความหมายที่ซับซ้อนของข้อความคำจำกัดความของการตีความการวางแนวของการแสดงในทิศทางที่เลือก” (P. Pavi)

ความสับสนทางคำศัพท์บางอย่างเกิดขึ้นจากข้อเท็จจริงที่ว่าการละครอยู่ที่จุดตัดของวรรณคดีและละคร เราขอเสนอตาม I.N. Chistyukhin เพื่อแยกแนวคิดของ "ละคร" และ "วิทยาการละคร" ดังนี้:

ละคร มีแนวทางอิสระในการพรรณนาถึงชีวิตวรรณกรรมและทิวทัศน์ซึ่งเป็นการกระทำแบบองค์รวมที่พัฒนาตั้งแต่ต้นจนจบ และสถานการณ์ที่เป็นรูปธรรม ละครเป็นส่วนหนึ่งของกระบวนการแสดงละครทั่วไปและวรรณกรรมประเภทหนึ่งในรูปแบบศิลปะ

ดราม่า - 1) ศิลปะการเขียนบทละคร 2) จำนวนทั้งสิ้นของงานเขียน 3) ประเภทของการจัดเนื้อหาศิลปะของละคร

ความคิดเห็นเกี่ยวกับทฤษฎีการละครซึ่งถือเป็นประเพณีเกิดขึ้นมาเป็นเวลาหลายศตวรรษ ดูเหมือนว่ามีเหตุผลที่จะประเมินผลงานละครที่เขียนในเวลาที่เหมาะสมตามศีลเหล่านี้ อย่างไรก็ตาม ตั้งแต่ปลายศตวรรษที่ 19 ถึงต้นศตวรรษที่ 20 มีการเปลี่ยนแปลงที่สำคัญมากขึ้นในทฤษฎีการละคร ซึ่งทำให้เราสามารถแสดงความคิดของความจำเป็นในการประเมินผลงานที่ตามมาตามหลักการอื่น . ให้เราสังเกตขั้นตอนหลักในการสร้างมุมมองดั้งเดิมเกี่ยวกับทฤษฎีการละคร

"กวีนิพนธ์" ของอริสโตเติล สะท้อนมุมมองส่วนใหญ่เกี่ยวกับโศกนาฏกรรมกรีกและเขียนขึ้นในศตวรรษที่ 4 ก่อนคริสต์ศักราช บุกเข้าไปในยุโรปเมื่อปลายศตวรรษที่ 15 ความคลาดเคลื่อนของการแปลข้อความ และความสั้นของวิทยานิพนธ์ที่อริสโตเติลกำหนด ในเวลาต่อมาได้ก่อให้เกิดการตีความและข้อโต้แย้งที่แตกต่างกันมากมายเกี่ยวกับแนวคิดละครใบ้ ("เลียนแบบ") และ ท้องเสีย ("การทำความสะอาด") หลักการของสามเอกภาพที่นำเสนอในบทความจะมีอิทธิพลต่อองค์ประกอบของบทละครมาเป็นเวลานาน วิทยานิพนธ์ของ "กวีนิพนธ์" พร้อมกับวิทยานิพนธ์ "จดหมายถึง Piso" ("วิทยาศาสตร์แห่งกวีนิพนธ์") โดยฮอเรซ (ศตวรรษที่ 1 ก่อนคริสต์ศักราช) - งานคลาสสิกหลักที่ได้รับการยอมรับในขณะนั้น - เป็นพื้นฐานของข้อกำหนดสำหรับการละคร .

ศีลที่พัฒนาขึ้นในช่วงยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาเริ่มเปลี่ยนไปในศตวรรษที่ 17 การปฏิเสธหลักการของตรีเอกานุภาพด้วยการรักษาความเป็นอันหนึ่งอันเดียวกันของการกระทำการรวมกันของสัญลักษณ์ของการ์ตูนและโศกนาฏกรรม - หนึ่งในการเปลี่ยนแปลงพื้นฐานครั้งแรก สะท้อนให้เห็นใน New Guide to Composing Comedies ของ Lope de Vega ซึ่งต่อมาได้รับการสนับสนุนใน The Art of Poetry โดย Nicolas Boileau สามัญสำนึกในบทกวีเช่นเดียวกับในด้านอื่น ๆ ของชีวิตในที่สุดก็ถูกวางไว้เหนือสิ่งอื่นใดและจินตนาการและความรู้สึกอยู่ภายใต้มัน

ความจำเป็นในการประนีประนอมเหตุผลและความรู้สึก (G.E. Lessing, A. Muller, V. Hugo) เกิดขึ้นตลอด XVIII - XIX ศตวรรษ เช่นเดียวกับการยอมรับในหลักการของความหลากหลายที่น่าทึ่งและความจริงตามธรรมชาติ เป็นข้อกำหนดเบื้องต้นสำหรับการเกิดขึ้นของทฤษฎีธรรมชาตินิยม ซึ่งกำหนดโดย E. Zola (คำนำของบทละคร "Thérèse Raquin", 1873) ในทางกลับกัน การสังเกตผู้คนอย่างใกล้ชิด พฤติกรรมและสภาพแวดล้อมของพวกเขามีอิทธิพลต่อการก่อตัวของวิธีการทางปัญญา ซึ่งสืบเนื่องมาจากงานของ G. Ibsen และ A.P. เชคอฟ

ประวัติความคิดเห็นเกี่ยวกับละครทั้งหมดระบุว่าละครมีสถานที่พิเศษไม่เฉพาะในกระบวนการวรรณกรรมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงในประวัติศาสตร์ของโรงละครด้วย A.P. ชี้ให้เห็นถึงความเป็นคู่ของแก่นแท้ด้านสุนทรียภาพ โดยกล่าวถึงผู้อ่านและผู้ชมพร้อมกัน เชคอฟตั้งข้อสังเกตว่าละครจะดึงดูดความสนใจจากนักวิจารณ์ละครและวรรณกรรมหลายคนเสมอ ในขณะที่บทวิจารณ์จะแตกต่างกัน เนื่องจากเนื้อหาของบทวิเคราะห์จะแตกต่างกัน: วรรณกรรม (เนื้อหาโดยตรงของบทละคร) และบทละคร (การตีความ ข้อความสคริปต์)

ให้เรากำหนดลักษณะของความสัมพันธ์ระหว่างวรรณกรรมและบทละคร การแสดงไม่ได้ขึ้นอยู่กับเนื้อหาของบทละคร แต่ขึ้นอยู่กับเนื้อหาของสคริปต์ที่สร้างขึ้น - คุณไม่สามารถใส่เครื่องหมายเท่ากับระหว่างพวกเขาและแทนที่การอ่านบทละครด้วยการดูการแสดง

ความแตกต่างระหว่างสคริปต์ที่เป็นงานวรรณกรรมและนาฏศิลป์กับข้อความวรรณกรรมอยู่ในคำอธิบายโดยละเอียดของแต่ละฉาก: การจัดพื้นที่ การเคลื่อนไหวของตัวละครรอบเวที บทสนทนา ท่าทาง การแสดงออกทางสีหน้า จุดประสงค์ของบทนี้คือเพื่ออธิบายว่าอะไร ที่ไหน อย่างไร และเมื่อไหร่ควรเกิดขึ้นบนเวทีเพื่อถ่ายทอดแนวคิดหลัก จุดประสงค์ของข้อความวรรณกรรมคือการกำหนดแนวคิดนี้

ลักษณะเด่นที่สำคัญของการแสดงคือความเป็นเอกลักษณ์ในเวลา วีจี เบลินสกี้เชื่ออย่างถูกต้องว่านี่คือ "กระบวนการที่เป็นปัจเจกบุคคลและเกือบจะมีเอกลักษณ์เฉพาะตัว ซึ่งสร้างชุดของการสรุปผลงานละคร ที่มีทั้งความสามัคคีและความแตกต่าง"

และที่นี่ตามที่ผู้กำกับและนักทฤษฎีละคร N.N. Evreinov วรรณกรรมมีข้อได้เปรียบเหนือการแสดง: “ผู้อ่านสามารถเรียนรู้ได้ตามที่เขาต้องการ เขาสามารถอ่านสิ่งที่ไม่เข้าใจซ้ำได้ เขาสามารถเก็บหนังสือไว้สำหรับวันพรุ่งนี้โดยหวังว่าจะสดชื่นในตอนเช้า ผู้เขียนกำหนดเงื่อนไขทั้งหมดของการรับรู้ข้อความในผู้ชมด้วยความเข้มงวดของโรงเรียน

การอ่านไม่เหมือนกับการดูละคร การอ่านไม่ได้กำหนดสิ่งใดที่ขัดกับจินตนาการของเรา นั่นคือสิ่งที่ดีสำหรับ อย่างไรก็ตาม สำหรับผู้อ่านที่ไม่สามารถจินตนาการถึงฮีโร่หรือสภาพแวดล้อมรอบตัวเขาได้ การแสดงจะเป็นผู้ช่วยที่ดีที่สุด ด้วยความช่วยเหลือของการเรียบเรียงดนตรีของการแสดง ธีมที่สร้างขึ้นเป็นพิเศษเพื่อสร้างภาพลักษณ์ของตัวละคร คุณสามารถเสริมความคิดของผู้อ่านของคุณได้ แต่ที่นี่ อีกครั้ง เราจะไม่รอดพ้นจากความไม่สอดคล้องกับความคาดหวังของเรา

ข้อได้เปรียบที่เถียงไม่ได้ของการแสดงคือสามารถใช้ทุกช่องทางของการรับรู้ (การได้ยิน การมองเห็น หรือแม้แต่การสัมผัส กลิ่น) สิ่งสำคัญคือทุกสิ่งที่เราเห็นและได้ยินไม่ได้พรากเราจากภารกิจหลักในการทำให้ความหมายลึกซึ้งขึ้น ตามที่ V.P. Ostrogorsky ครูไม่สามารถ "ละเลยสถานการณ์ที่เวทีเป็นเจ้าของและที่ช่วยเพิ่มความประทับใจให้กับผู้ชม" แต่ไม่ควรถูกหลอกโดยเอฟเฟกต์บนเวทีเพียงอย่างเดียว

นอกจากนี้ยังควรสังเกตด้วยว่าการดูการตีความของคนอื่น (ผู้กำกับ, นักแสดง) ควรมาพร้อมกับการอ่านเบื้องต้น (เพื่อให้คุณสามารถอ้างอิงถึงข้อความของผู้เขียนได้ตลอดเวลา) เพื่อให้ได้ผลลัพธ์ที่ดีขึ้น

การเข้าใจถึงความสำคัญของลักษณะสองประการของละครก็พบได้ในผลงานของ K.S. สตานิสลาฟสกี้ เขาเขียนว่า: "เฉพาะบนเวทีของโรงละครเท่านั้นที่สามารถรับรู้ผลงานละครได้อย่างครบถ้วนและสำคัญ" และเพิ่มเติม: "... หากเป็นอย่างอื่นผู้ชมจะไม่ปรารถนาที่โรงละคร แต่จะนั่งที่บ้านและ อ่านบทละคร”

นักวิจารณ์ศิลปะ เอ.เอ. Karyagin ตั้งข้อสังเกตว่า “สำหรับนักเขียนบทละคร ละครค่อนข้างเป็นการแสดงที่สร้างขึ้นโดยพลังแห่งจินตนาการเชิงสร้างสรรค์และได้รับการแก้ไขในบทละครที่สามารถอ่านได้หากต้องการ มากกว่างานวรรณกรรมที่เล่นบนเวทีได้ และมันไม่เหมือนกันเลย”

ดังนั้น ประวัติการศึกษาลักษณะศิลปะของละครทำให้เราพูดถึงความเป็นไปไม่ได้ที่จะพิจารณาละครเรื่องนี้ “นอกเหนือวัตถุประสงค์ดั้งเดิมที่จะนำเสนอบนเวที” ดังนั้น เมื่อเข้าใจงานนาฏกรรม ขอแนะนำให้ทำงานกับสองข้อความ (วรรณกรรมและละคร) สังเกตช่วงเวลาของการแทรกซึมและพิจารณาว่าการแสดงละครบนเวทีเป็นศิลปะด้านหนึ่ง ในทางกลับกันการตีความข้อความวรรณกรรมเป็นงานศิลปะการละครอิสระที่สร้างขึ้นตามกฎหมายพิเศษ

การแสดงละครเป็นคุณลักษณะที่สำคัญที่สุด จากมุมมองของ R. Barth การแสดงละครหรือการแสดงละครคือ "โรงละครลบด้วยข้อความ" มันคือ "ความหนาแน่นของสัญญาณและความรู้สึก" ที่บอกเป็นนัยในข้อความและเรียงรายอยู่บนเวทีเท่านั้น

ทิวทัศน์ในความหมายกว้าง สามารถกำหนดได้ว่าเป็นการพึ่งพาอาศัยกันโดยตรงของละครเป็นประเภทวรรณกรรมในโรงละคร - ศิลปะแห่งการเปลี่ยนแปลงทางศิลปะ, ภาพสะท้อนของชีวิตในการแสดงละครสด

ทิวทัศน์ในความหมายที่แคบ เป็นชุดคุณสมบัติเฉพาะของงานละครที่รับรองว่าเหมาะสมกับการแสดงบนเวที ดังนั้น ละครที่มีไว้สำหรับจัดฉาก ตรงกันข้ามกับสิ่งที่เรียกว่า "ละครเพื่อการอ่าน" (เช่น "Manfred" โดย J. Byron, "Prometheus Unchained" โดย P.B. Shelley เป็นต้น) ต้องมีความมีชีวิตชีวา ความเข้มข้นของ การกระทำ, ความเกี่ยวข้องของปัญหา , ฉาก (โอกาสที่เป็นไปได้สำหรับการแก้ปัญหาเกี่ยวกับฉาก) เพื่อปลุกความรู้สึกต่างๆของผู้ชมเกี่ยวกับสิ่งที่เกิดขึ้นบนเวที สาเหตุส่วนใหญ่มาจากความสามารถภายในของบทละคร ซึ่งในทางกลับกัน ขึ้นอยู่กับทักษะของนักเขียนบทละครโดยตรง ดังนั้นจึงไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในหมู่นักเขียนบทละครที่ยิ่งใหญ่ที่สุดมีคนที่เกี่ยวข้องกับโรงละครอย่างมืออาชีพ (เช่น Shakespeare และ Molière เป็นนักแสดง) หรืออยู่ในความร่วมมืออย่างสร้างสรรค์กับมัน (A.N. Ostrovsky และ Maly Theatre, A.P. Chekhov และ โรงละครศิลปะมอสโก) โรงละคร ฯลฯ )

ในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา ความคิดเชิงทฤษฎีในการแสดงละครได้เปลี่ยนแปลงไปอย่างมาก สาเหตุส่วนใหญ่มาจากความรู้สึกของบริบททางศิลปะและสุนทรียศาสตร์ใหม่ที่เรียกว่าลัทธิหลังสมัยใหม่: ความอ่อนล้าของสิ่งเก่า การรอคอยสิ่งใหม่ ๆ ซึ่งยังไม่เป็นรูปเป็นร่างและดังนั้นจึงไม่สามารถเข้าใจได้อย่างสมบูรณ์ วิทยาศาสตร์การละครใหม่สร้างเครื่องมือทางแนวคิดทั้งหมดบนสมมุติฐานของนักโครงสร้าง ซึ่งกำหนดขึ้นในยุค 60 ของศตวรรษที่ 20 และได้รับอิทธิพลอย่างมากจากลัทธิหลังโครงสร้างนิยมและลัทธิหลังสมัยใหม่ในช่วงครึ่งหลังของยุค 70 สูตรสุดท้ายของทฤษฎีใหม่นี้สามารถพบได้ในผลงานของ A. Übersfeld และ P. Pavi รวมถึงนักวิทยาศาสตร์คนอื่นๆ อีกจำนวนหนึ่ง

แนวคิดหลักของทฤษฎีการละครสมัยใหม่ตามแนวโน้มในการพัฒนาทั่วไปของทฤษฎีศิลปะและโดยเฉพาะอย่างยิ่งการวิจารณ์วรรณกรรมมีดังนี้:

ด้านการสื่อสาร กล่าวคือ ความเข้าใจในศิลปะว่าเป็นข้อมูลด้านสุนทรียศาสตร์บางอย่างที่โรงละครถ่ายทอดให้ผู้ชมได้ชมผ่านการแสดงละคร

ด้านสัญศาสตร์ กล่าวคือ ความเข้าใจในธรรมชาติเชิงสัญลักษณ์ของโรงละครและการแสดงละคร

ทฤษฎีของตัวแสดงโครงสร้างในแหล่งกำเนิดนั่นคือวิสัยทัศน์ใหม่ของตัวละคร (ตัวละครที่ละลายในการตีความที่หลากหลายทำหน้าที่เป็นตัวแสดง);

ความเข้าใจศิลปะการละครในรูปแบบข้อความ ผลิตภัณฑ์ของความคิดสร้างสรรค์ไม่เพียงแต่ของนักเขียนบทละคร แต่ยังรวมถึงผู้กำกับ นักแสดง นักออกแบบฉาก ฯลฯ ข้อความ ไม่เพียงแต่ประกอบด้วยคำเท่านั้น แต่ยังรวมถึงฉาก ท่าทาง ทิวทัศน์ ดนตรี แสง ฯลฯ

วิธีการทำความเข้าใจธรรมชาติของข้อความที่น่าทึ่งนี้รองรับการเกิดขึ้นใหม่ การแสดงละคร การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญที่สุดในการศึกษาทฤษฎีการละครคือการที่การละครถูกมองว่าเป็นศิลปะประเภทพิเศษ ความจำเพาะของประเภทนั้นถูกกำหนดโดยจุดประสงค์ในการแสดงบนเวทีอย่างสมบูรณ์ ในวิทยาศาสตร์ภายในประเทศ สอดคล้องกับตำแหน่งใหม่พื้นฐานเหล่านี้ในการศึกษาบทละคร ผลงานของ V.E. Golovchiner และ N.I. อิสชุก-ฟาดีวา

หนึ่งในความพยายามที่จะแก้ไขข้อขัดแย้งระหว่างหลักการเชิงบรรทัดฐานและไม่ใช่เชิงบรรทัดฐานของกวีนาฏกรรมคือแนวคิดของนักวิทยาศาสตร์ชาวเยอรมัน เอ็ม. แจน ซึ่งกำหนดไว้ในปี 2545 ใน "คู่มือทฤษฎีละคร" (ต่อไปนี้ ข้อมูลเกี่ยวกับ ผู้เขียนได้รับตามบทความโดย I.P. Ilyin "Conceptual Problems ทฤษฎีใหม่ของละคร)

เขาบอกว่ามีการพัฒนาสามทิศทางในการศึกษาทฤษฎีการละคร: "กวีละคร" ( ละครกวี ), "การละครศึกษา" ( โรงละครศึกษา ) และ "อ่านละคร" ( อ่านละคร ).

สัมพันธ์กับแนวคิดของกวีเชิงบรรทัดฐาน "กวีละคร" การตั้งค่าให้กับข้อความที่เขียน (พิมพ์) และ "การอ่านอย่างระมัดระวัง" และตามที่ M. Yan ทำหน้าที่เป็นแหล่งที่เชื่อถือได้เพียงแหล่งเดียวในทางตรงกันข้ามกับโครงสร้างทางศิลปะที่เปลี่ยนแปลงตลอดเวลาของการแสดง ผู้สนับสนุนแนวทางนี้คือ C. Brooks นักวิจารณ์แนวนีโอชาวอเมริกัน

ตามแนวคิด "การละครศึกษา" เนื้อหาของบทละครไม่มีความเป็นอิสระเลย และการแสดงมีความสำคัญยิ่งในความสัมพันธ์กับข้อความ ตำแหน่งนี้สะท้อนให้เห็นในสิ่งพิมพ์ของ J.L. Stein, R. Hornby, R. Levin, G. Taylor, H. Hawkins. ปัญหาหลักของแนวทางนี้ ซึ่งทำให้เกิดการวิพากษ์วิจารณ์อย่างยุติธรรม คือ ความเป็นไปไม่ได้ที่จะแก้ไขสาระสำคัญที่เปลี่ยนแปลงไปของลักษณะการแสดงละครในรูปแบบของข้อความที่พิมพ์ออกมา คุณไม่สามารถนำผลงานกลับบ้าน ถอดออกจากชั้นวางแล้วกลับไปดูซ้ำแล้วซ้ำอีกเพื่อตรวจสอบข้อสังเกตเบื้องต้นของคุณ เมื่อสร้างใหม่จากหน่วยความจำ การเปลี่ยนแปลงที่หลีกเลี่ยงไม่ได้และการอ่านใหม่จะเกิดขึ้น

สำหรับ “ความไม่แน่นอนทางทฤษฎีและความไม่น่าเชื่อถือ” นี้ ในคำพูดของเขาเอง M. Yan คัดค้าน การอ่านละคร ภายในทิศทางนี้ เนื้อหาจะถูกมองว่าเป็นงานวรรณกรรมและเป็นแนวทางในการนำเสนอ ในเวลาเดียวกัน จำเป็นต้องมี "ผู้รับในอุดมคติ" เพื่อนำไปปฏิบัติ - ทั้งผู้อ่านและเจ้าหน้าที่ประจำโรงละครที่ประเมินข้อความจากมุมมองของการผลิตที่เป็นไปได้และตามจริง แจนถือว่างานวิจัยของ A. Ubersfeld “Reading the Theatre” (1977) รวมทั้ง M. Pfister, K. Elam, D. Scanlan และอื่นๆ เป็นโปรแกรมตำรางานของแนวทางนี้คือการฟื้นฟูบางส่วน ของงานวรรณกรรมตลอดจนการแลกเปลี่ยนความคิดของนักทฤษฎีและผู้ปฏิบัติละครอย่างต่อเนื่อง การวิเคราะห์ข้อความจึงเน้นไปที่ขั้นตอน

แนวทางนี้ดูเหมือนจะมีประสิทธิภาพมากที่สุดในกระบวนการวิเคราะห์บทละครในบทเรียนของโรงเรียน แน่นอนว่ามันขัดแย้งกับวิธีการศึกษาชีวประวัติแบบดั้งเดิมซึ่งอธิบายโดย Sh.-O. เซนต์โบโวเย วิธีการวิเคราะห์นี้มีศูนย์กลางอยู่ที่ความสามัคคีของ "ยุคการสร้างสรรค์ของผู้เขียน" เหมาะสำหรับการทำงานในชีวประวัติเชิงสร้างสรรค์ของนักเขียน การกำหนดระยะเวลาของมรดกเชิงสร้างสรรค์ของเขา และการวิเคราะห์งานเกี่ยวกับอัตชีวประวัติ แต่ในกระบวนการวิเคราะห์บทละคร กลับกลายเป็นว่าไม่ได้ผล ในความเห็นของเรา ในการศึกษาบทละครของโรงเรียน จำเป็นต้องคำนึงถึงวิธีการแสดงละครแบบใหม่ด้วย

1.2. การใช้นาฏศิลป์ในการสอนวรรณคดี

วิธีการศึกษาการแสดงละครถูกกำหนดโดยลักษณะเฉพาะของละคร: “ละครอาศัยอยู่เพียงบนเวทีเท่านั้น หากไม่มีเธอก็เหมือนวิญญาณที่ไม่มีร่างกาย” N.V. เขียน โกกอล ส.ส. โพโกดิน. ในการทำให้ละครเต็มไปด้วยจิตวิญญาณ ในความคิดของเรา งานหลักของครูสอนวรรณกรรม นักระเบียบวิธีและครูวรรณคดีหลายชั่วอายุคนสงสัยว่าจะจัดโครงสร้างการศึกษาการละครในห้องเรียนในลักษณะที่ดึงดูดใจเด็กนักเรียนอย่างไร ในขณะที่ไม่ยอมให้ความเรียบง่ายและปรับระดับของความคิดริเริ่มทางศิลปะของงาน มาที่ประวัติของปัญหาเราตั้งเป้าหมายไว้ดังนี้- เพื่อสรุปข้อมูลเกี่ยวกับวิธีการศึกษาละครและค้นหาวิธีการและเทคนิคในการทำงานกับประวัติศาสตร์เวทีที่เสนอโดยนักระเบียบวิธี

ความดึงดูดของละครสู่ชั้นเรียนวรรณคดีเริ่มขึ้นในศตวรรษที่ 18 มิใช่ด้วยวิธีการและเทคนิคเฉพาะ แต่ด้วยคำแนะนำสำหรับการอ่านและการรับรู้ถึงความสำคัญของการศึกษาละครในวัยรุ่น ประเด็นเรื่องการอ่านและการเรียนนาฏศิลป์ถูกหยิบยกขึ้นมาจากผลงานของ M.M. Shcherbatova, N.I. โนวิคอฟและอื่น ๆ

ครึ่งแรก XIX ศตวรรษมีลักษณะเฉพาะด้วยการเกิดขึ้นของแนวโน้มต่าง ๆ ที่ไม่คำนึงถึงความก้าวหน้าของการพัฒนาวรรณกรรมที่เหมือนจริงและทำให้เกิดการแยกการศึกษาวรรณกรรมออกจากชีวิต อย่างไรก็ตามเรื่องนี้ I.P. ผิน, เอ.เอฟ. Merzlyakov, P.E. Georgievsky, V.F. Odoevsky, N.I. Nadezhdin, F.I. บุสเลฟ.

เนื้อหาเกี่ยวกับละครรวมอยู่ในหลักสูตรที่จัดทำขึ้นเพื่อการสอนวรรณกรรม เช่นเดียวกับในตำราและกวีนิพนธ์เกี่ยวกับทฤษฎีและประวัติศาสตร์ของวรรณคดี ส่วนใหญ่เป็นตัวอย่างสำหรับการเรียนรู้แนวคิดของทฤษฎีวรรณกรรม ในช่วงเวลานี้ มีคำถามแรกเกี่ยวกับการศึกษางานละคร ความคุ้นเคยกับละครเป็นวรรณกรรมประเภทหนึ่งจำกัดเฉพาะการทบทวนวรรณกรรมประเภทนาฏกรรมในอดีตเท่านั้น (A.F. Merzlyakov, P.E. Georgievsky) ทฤษฎีการละครกำลังได้รับการพัฒนา หมวดหมู่ความงามของโศกนาฏกรรมและการ์ตูนมีความโดดเด่น (N.I. Nadezhdin, V.G. Belinsky) ในขั้นตอนนี้ ความสนใจในภาษาและการอ่านอย่างไม่หยุดนิ่งเพื่อช่วยเปิดเผยความหมายของงานยังอยู่ในวัยทารก (F.I. Buslaev) อย่างไรก็ตาม ในเวลานั้น การมีส่วนร่วมของศิลปะที่เกี่ยวข้องและการเยี่ยมชมโรงละครได้รับการยอมรับว่าเป็นองค์ประกอบที่จำเป็นในการทำความเข้าใจความหมายของละครในผลงานของ I.P. Pnina, V.F. Odoevsky, V.G. เบลินสกี้

ในขณะเดียวกัน เราก็พบแนวทางแรกในการอ่านละครที่สอดคล้องกับงานวิจัยของเราในบทความของ V.G. เบลินสกี้ที่ดึงความสนใจไปที่ความสำคัญของการพิจารณาการตีความละครเวทีเพื่อให้ผู้อ่านเข้าใจลึกซึ้งยิ่งขึ้น แสดงพลังที่ละครในโรงละคร "สวมตั้งแต่หัวจรดเท้า" เข้าเป็นพันธมิตรกับ ศิลปะทั้งหมดและรับจากพวกเขา "ทุกวิถีทาง อาวุธทั้งหมด" บทความวิจารณ์ เช่น "วิบัติจากวิทย์" ตลกใน 4 องก์ในข้อ องค์ประกอบของ A.S. Griboedov" หรือ "Hamlet" ละครของเช็คสเปียร์ Mochalov ในบทบาทของ Hamlet” โดดเด่นด้วยการเจาะเข้าไปในเกมของนักแสดง การสร้างบรรยากาศของโรงละครขึ้นมาใหม่ และสามารถเป็นสื่อที่ดีสำหรับการทำงานในห้องเรียน คำแนะนำหลักของ V.G. Belinsky ในการอ่านและวิเคราะห์ละครกลายเป็นจุดเริ่มต้นของวิธีการศึกษาในโรงเรียนมัธยมศึกษาและระดับอุดมศึกษา

ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 เป็นจุดเปลี่ยนในประวัติศาสตร์การศึกษาในรัสเซีย กิจกรรมการศึกษาและวรรณกรรมของ N.G. Chernyshevsky และ N.A. โดโบรลิอูโบว่า นี่คือเวลาของการปฏิรูปโรงเรียนและการอภิปรายเกี่ยวกับการสอน การปฏิรูปในปี พ.ศ. 2407 ได้ทำให้กิจกรรมระเบียบวิธีของครูหลายคนเข้มข้นขึ้น ซึ่งได้รับโอกาสในการร่างหลักสูตรตามข้อกำหนดของคำแนะนำของรัฐมนตรีอย่างอิสระ ในช่วงเวลานี้ ผลงานสำคัญๆ เช่น บทความ โปรแกรม และคู่มือโดย F.I. บุสลาวา, V.Ya. Stoyunina, V.I. Vodovozova, L.I. Polivanova, Ts.P. บัลทาโลนาและอื่น ๆ ในยุค 60 ของศตวรรษที่ 19 วรรณคดีถูกสร้างขึ้นเพื่อเป็นวินัยทางวิชาการพิเศษ ด้วยการถือกำเนิดของรูปแบบใหม่อันน่าทึ่งในโปรแกรมและตำราเรียน วิธีการเชิงระเบียบวิธีในการศึกษาก็เปลี่ยนไปด้วย และเทคนิคใหม่ๆ ก็ปรากฏขึ้น

การศึกษาการละครเป็นตัวอย่างสำหรับการเรียนรู้แนวคิดของทฤษฎีวรรณกรรมจะค่อยๆ จางหายไปในเบื้องหลัง คุณค่าของบ้านและชั้นเรียน การอ่านอย่างแสดงออก การเล่าขานเป็นวิธีการศึกษานาฏกรรมที่พิสูจน์ได้ในงานของนักระเบียบวิธีและนักภาษาศาสตร์ที่ดีที่สุดในยุคนั้น: V.I. โวโดโวโซว่า V.Ya. Stoyunina รองประธาน Ostrogorsky V.P. เชอเรเมเตฟสกี ความสำคัญของการวิเคราะห์เชิงลึกที่เกี่ยวข้องกับการวิจารณ์วรรณกรรมและสุนทรียศาสตร์เป็นที่ยอมรับ เพื่อให้เข้าใจเจตนาของผู้เขียน จึงใช้การวิเคราะห์องค์ประกอบและการแสดงละครคู่ขนานกัน หลักการของลัทธินิยมนิยมเสนอในผลงานของ V.I. Vodovozov และ V.Ya. Stoyunin ถูกนำไปใช้กับการศึกษาเกี่ยวกับการแสดงละครและตระหนักในวิธีการวิจารณ์ทางประวัติศาสตร์และการเปรียบเทียบผลงานของผู้แต่งและยุคต่างๆ

ในเวลาเดียวกัน ความสัมพันธ์ถูกสร้างขึ้นระหว่างความลึกของการตีความละครและศูนย์รวมของละคร ว.ป.ภ. ระบุ ความจำเป็นในการเยี่ยมชมโรงละครขณะศึกษาการแสดงละคร Ostrogorsky V.P. เชอเรเมเตฟสกี การจัดประสิทธิภาพของโรงเรียนให้เป็นหนึ่งในรูปแบบการทำงานที่เป็นไปได้นั้นได้รับการพิสูจน์ในผลงานของ N.F. Bunakova, N.A. Solovyov-Nesmelov

“ การศึกษากวีนิพนธ์ละครก็คือมงกุฎของทฤษฎีวรรณคดี ... - กล่าวโดย V.P. ออสโตรกอร์สกี้ “กวีนิพนธ์ประเภทนี้ไม่เพียงแต่มีส่วนช่วยในการพัฒนาจิตใจอย่างจริงจังของคนหนุ่มสาวเท่านั้น แต่ด้วยความสนใจที่มีชีวิตชีวาและเอฟเฟกต์พิเศษต่อจิตวิญญาณ มันปลูกฝังความรักอันสูงส่งที่สุดให้กับโรงละคร ในความสำคัญทางการศึกษาที่ยิ่งใหญ่สำหรับสังคม” พิจารณาว่าเป็นไปไม่ได้ที่จะให้ความสนใจเนื่องจากการศึกษาการแสดงละครภายในกรอบของโปรแกรม เขาเสนอให้อ่านบทละครนอกหลักสูตรภาคบังคับและพัฒนารายการแนะนำของตนเอง

ตามที่ V.P. Ostrogorsky ครูไม่สามารถ "ละเลยสภาพแวดล้อมที่เวทีเป็นเจ้าของและช่วยเพิ่มความประทับใจให้กับผู้ชม" เขาสนับสนุนให้นักเรียนดูการแสดงบนเวทีอิมพีเรียล และหวังว่าการแสดงในเช้าวันหนึ่งจะจัดในราคาถูกสำหรับนักเรียนที่ยากจน รองประธาน Ostrogorsky แบ่งปันความคิดของ V.G. Belinsky กล่าวว่าตามบทความวิจารณ์จำเป็นต้องเรียนรู้ "เพื่อเรียนรู้ความหมายของโรงละครและการแสดงของนักแสดง" ความคิดเห็นของเขามีอยู่ในบทความ "In Memory of Mochalov" ในห้องเรียน ป. Ostrogorsky แนะนำให้เยาวชนรู้จักประวัติศาสตร์ของละครและละคร แต่ขอให้พวกเขาไม่หลงเสน่ห์เอฟเฟกต์บนเวที แต่พยายามทำความเข้าใจกับสิ่งที่พวกเขาใช้สำหรับ

ปิด Ostrogorsky ในตำแหน่งของเขาในการสอนคือ V.P. Sheremetevsky ผู้ทิ้งคำแนะนำและคำแนะนำที่เป็นประโยชน์มากมายเกี่ยวกับการอ่านและทำความเข้าใจงานละคร ในการเป็นนักอ่านที่ดี วี.พี. Sheremetevsky ใช้การอ่านเชิงแสดงออกอย่างแข็งขันในกระบวนการวิเคราะห์งาน

เพื่อแก้ปัญหาระเบียบวิธี - เพื่อกำหนดสาระสำคัญของตัวละครที่น่าทึ่ง - V.P. Sheremetevsky ไม่เพียง แต่วิเคราะห์คำพูดของ Khlestakov แต่ยังเปรียบเทียบฉบับของข้อความของละครพยายามที่จะทำให้ผู้อ่านอยู่ในตำแหน่งของผู้ชม ครั้งแรกที่เขายืนยันถึงความสำคัญของการสอดแทรกเนื้อหาของบทละครและการแสดงในชั้นเรียนของโรงเรียน และเขียนเกี่ยวกับความไม่สมบูรณ์ของการเรียนละครโดยไม่ได้ใช้งานในเวที: "การแสดงบนเวทีเป็นคำอธิบายที่ขาดไม่ได้เกี่ยวกับโศกนาฏกรรมและความขบขัน" ดังนั้น ว. Sheremetevsky สนับสนุนให้มีการเริ่มการแสดงที่โรงเรียนอีกครั้ง โดยเสนอวิธีการแสดงละครที่เกี่ยวข้องอย่างใกล้ชิดกับการวิเคราะห์แบบจำลองการละคร

ดังนั้นในวิธีการสอนวรรณคดีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 มีการสรุปวิธีหลักในการศึกษางานการละครเสนอวิธีการวิเคราะห์และตีความข้อความที่มีประสิทธิภาพ แต่คำถามเกี่ยวกับความจำเป็นในการใช้การตีความการแสดงละครแบบมืออาชีพในบทเรียนวรรณกรรมนั้นไม่ค่อยเกิดขึ้น ดังนั้นข้อเท็จจริงของชีวประวัติบนเวทีของงานจึงไม่รวมอยู่ในระบบการสอนเด็กนักเรียน

เมธอดิสต์แห่งต้นศตวรรษที่ 20 ค่อยๆ เคลื่อนห่างจากมรดกแห่งยุค 60 ความสนใจในบุคคลสถานที่ของเขาในสังคมและสภาพภายในกลายเป็นเหตุผลที่ทำให้จิตวิทยาของตัวละครวรรณกรรมลึกซึ้งยิ่งขึ้นโดยเฉพาะฮีโร่ที่น่าทึ่งในผลงานของ Ts.P. บัลทาโลนา, ​​D.V. Ovsyaniko-Kulikovsky, V. Golubev.

การศึกษาละครในช่วงเวลานี้มีความสัมพันธ์อย่างใกล้ชิดกับการพัฒนาละครรัสเซีย ความสำเร็จของโรงละครในประเทศเกิดจากการที่ A.P. Chekhov, M. Gorky, A.A. บล๊อก แอล.เอ็น. Andreev และวิธีการสร้างสรรค์ใหม่ โรงละครศิลปะมอสโกซึ่งเกิดขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษกลายเป็นว่าใกล้ชิดกับละครของเชคอฟมากขึ้น แต่ไม่ได้ยกเว้น "จุดเริ่มต้น Gorky" ละครเรื่องใหม่กระตุ้นความคิดสร้างสรรค์ของนักแสดงอย่าง K.S. Stanislavsky, V.I. Kachalov, I. M. Moskvin, L. Leonidov, V.V. Luzhsky, O.L. คนตัดเสื้อ-เชคอฟ. บทละครของ M. Gorky ด้วยน้ำเสียงที่กล้าหาญของพวกเขากลับกลายเป็นว่าสอดคล้องกับงานละครของ V. Komissarzhevskaya และ M. Yermolova โรงละครมาลีและอเล็กซานเดรียเต็มไปด้วยบทละครอมตะของ A.N. ออสทรอฟสกี้

การเพิ่มขึ้นของละครและละครกำหนดการค้นหาวิธีการและเทคนิคใหม่ที่เพียงพอสำหรับการวิเคราะห์ที่มีประสิทธิผล เมธอดิสต์เปิดเผยและยืนยันประสิทธิผลของการเยี่ยมชมโรงละครอย่างมีความหมายในการศึกษาบทละคร ดังนั้น ซี.พี. Baltalon อุทิศผลงานจำนวนหนึ่งเพื่อความสวยงามของการต้อนรับผู้ชมละคร พูดถึงความเพลิดเพลินทางศิลปะของการแสดง Baltalon ตั้งข้อสังเกตว่าความรู้สึกคล้ายคลึงกันของสิ่งที่เขาเห็นบนเวทีกับความประทับใจในชีวิตทำให้มีความสุขเป็นพิเศษ

ในขณะเดียวกัน โรงละครของโรงเรียนก็ถูกใช้เป็นกิจกรรมนอกหลักสูตรรูปแบบหนึ่ง N. Bakhtin และ S. Krymsky กำหนดเงื่อนไขสำหรับการใช้งานการสอน:

การเลือกบทละครที่เข้มงวดเพื่อไม่ให้โรงละครกลายเป็นเพียงความบันเทิง

ระยะเวลาที่เป็นไปได้ของการปฏิบัติงาน

บทบาทควรสอดคล้องกับตัวละครและความสามารถของเด็กอยู่บนไหล่ของเขา

การสะสมสำรองของการสังเกตและการพัฒนาการสังเกต

การพัฒนาคำพูดที่แสดงออก

เข้าใจแรงจูงใจของการกระทำ การตีความอย่างลึกซึ้งของการเล่น

ที่สำคัญที่สุด ครู "ควรแบ่งปันภาพลวงตากับเด็ก ๆ "

N. Bakhtin เห็นหลักการพื้นฐานของโรงละครในละครซึ่งออกแบบมาสำหรับศูนย์รวมของเวที ในความเห็นของเขาผู้ชม (และผู้อ่าน) ได้รับ "ศูนย์รวมของชีวิตที่สดใสและสมบูรณ์พร้อมลักษณะการใช้ชีวิตของตัวละครที่เราดูเหมือนจะรวมเข้าด้วยกันโดยลืมบุคลิกภาพของเราและสัมผัสกับความรู้สึกทั้งหมดของพวกเขา ." N. Bakhtin ยืนยันว่าเด็กนักเรียนไปโรงละครเมื่อเรียนการละครโดยพูดพร้อมกัน: "การศึกษาในชั้นเรียนของละครก็เหมือนกับการศึกษาพืชตามตัวอย่างที่แห้ง" เขาพยายามที่จะจัดกระบวนการศึกษาในลักษณะที่จะทำให้โรงละครเช่นวรรณกรรมเป็นเครื่องมือในการศึกษา มีโรงละครสำหรับทุกวัย: โรงละครเงาสำหรับเด็กก่อนวัยเรียน, โรงละครหุ่นเชิด Petrushka และโรงละครหุ่นกระบอกสำหรับนักเรียนอายุน้อย, การแสดงมือสมัครเล่นตามละครสำหรับเด็กในระดับกลาง และการแสดงละครคลาสสิกสำหรับนักเรียนที่มีอายุมากกว่า "โรงละครจับมือกับโรงเรียนเริ่มเตรียมประชาชนอัจฉริยะในอนาคต" โรงละครได้รับการยกย่องว่าเป็น "คันโยกอันทรงพลังของการศึกษานอกโรงเรียน"

ในช่วงทศวรรษที่ 1920 และ 30 ภาพยนตร์คลาสสิกของรัสเซีย รวมทั้งการละครคลาสสิก ค่อยๆ ถูกบังคับให้ออกจากหลักสูตรของโรงเรียน อันเนื่องมาจากการทำลายระบบการศึกษาแบบเก่าและการสร้างโรงเรียนรูปแบบใหม่ แต่ความเจริญรุ่งเรืองของโรงละครโซเวียตมีส่วนทำให้ละครกลายเป็นสถานที่สำคัญในหลักสูตรวรรณคดีของโรงเรียน นักระเบียบวิธีในประเทศที่มีชื่อเสียงค่อยๆ หวนคืนสู่แนวคิดที่คิดค้นขึ้นโดยผู้บุกเบิกก่อนการปฏิวัติ

วี.วี. Golubkov และ L.S. ทรอยสกี้เสริมการวิเคราะห์งานละครโดยเชื่อมโยงมันในบทเรียนเบื้องต้นกับความเป็นจริงทางประวัติศาสตร์ที่ก่อให้เกิดการเล่น และกับละครสมัยใหม่ วิธีการอ่านความคิดเห็นได้รับการพัฒนาอย่างลึกซึ้งในผลงานของ A.S. Degozhskaya และ N.A. รุสนอฟ น.ม. Sokolov ฝึกฝนการอ่านอย่างรอบคอบในห้องเรียนด้วยการวิเคราะห์เนื้อหาแบบคู่ขนาน ซึ่งเป็นหนึ่งในวิธีศึกษาการละคร เขาแนะนำว่า "เตรียมข้อความสำหรับโรงละครและแยกสิ่งที่จะพูดบนเวทีและสิ่งที่แสดงออกมาได้เท่านั้น ." การวิเคราะห์โครงเรื่องและองค์ประกอบในระหว่างการแสดงละครได้อธิบายไว้ในผลงานของ M.A. Rybnikova A.S. Degozhskaya N.A. Rusanov และยืนยันความได้เปรียบอีกครั้งว่าเป็นหนึ่งในวิธีที่เป็นไปได้ในการศึกษาละคร ในกระบวนการวิเคราะห์ ความสำคัญอย่างยิ่งต่อการสร้างแรงจูงใจของการกระทำของตัวละครและการเปิดเผยตัวละครในละคร (N.M. Sokolov, M.A. Rybnikova, V.V. Golubkov)

คำถามเกี่ยวกับความจำเป็นในการเข้าร่วมการแสดงทั้งในระหว่างการศึกษางานละครที่เกี่ยวข้องและภายนอกนั้นฟังดูยืนกรานมากขึ้นเรื่อย ๆ (ในผลงานของ M.A. Rybnikova, A.S. Makarenko)

เพื่อให้เป็น. Makarenko ตระหนักถึงพลังความงามอันทรงพลังของโรงละคร ในโรงละครของอาณานิคม Kuryazhskaya สร้างขึ้นภายใต้การนำของเขา "บทละครที่ยิ่งใหญ่ที่สุด" โดย Gogol, Ostrovsky, Gorky และคนอื่น ๆ ถูกจัดฉาก (สำหรับฤดูหนาว - 40 บทละคร) จากการมีส่วนร่วมในการแสดง ครูบรรลุเป้าหมายสองประการ: ประการแรกเขาช่วยนักเรียนในการเข้าสังคมและประการที่สองเขาพยายามกระตุ้นความสนใจในการอ่านบทละครและพูดคุยเกี่ยวกับปัญหาของพวกเขา นักเรียนของเขาพูดคุยกันอย่างดุเดือด โดยเฉพาะเรื่อง "At the Bottom" หลังจากอ่านจบ ในขณะเดียวกัน การวิเคราะห์ก็ลึกซึ้งและไม่จำกัดเพียงเนื้อหาโซเชียลเดียวเท่านั้น ตามที่ครูบอก ไม่ควรมี "ภาพที่ว่างเปล่าและมีเจตจำนงอ่อนแอ" ที่ไม่ก่อให้เกิดความคิดและไม่ส่งผลกระทบต่อบุคคล: "การแสดงละครควรมาพร้อมกับการอภิปรายและการแลกเปลี่ยนความคิดเห็น"

ปริญญาโท Rybnikova นอกเหนือจากการพิสูจน์หลายวิธีในการศึกษาละครแล้วยังแนะนำให้ทำการทัศนศึกษาทางวรรณกรรมเช่นไปยังสถานที่ของ Griboedov ในมอสโกไปยังย่านการค้าของเมืองใด ๆ เพื่อที่ใครจะจินตนาการถึงชีวิตของตัวละครของ Ostrovsky ในหนังสือ “The Work of a Literary Worker at School” นักระเบียบวิธีชี้ให้เห็นความจำเป็นในการเปรียบเทียบฉบับของงานหนึ่งฉบับ (โดยใช้ตัวอย่างของ “ผู้ตรวจการทั่วไป”)

ปริญญาโท Rybnikova ตระหนักถึงความสำคัญของศูนย์รวมการแสดงละครของละคร การตื่นขึ้นของความคิดสร้างสรรค์ของนักเรียน การสร้างสายสัมพันธ์ของนักเรียนกับโรงละครคือสิ่งสำคัญสำหรับเธอ เธอยังฝึกฝนการเข้าร่วมโรงละครมืออาชีพตามด้วยการอภิปรายเกี่ยวกับการแสดง จากมุมมองของเธอ สิ่งนี้ช่วยให้รู้สึกถึงองค์ประกอบที่เป็นธรรมชาติสำหรับผู้เขียน การดูควรเป็นแบบส่วนรวม ดังนั้นบทละครจะตื่นเต้นมากขึ้น และควรทำการวิเคราะห์ตามการแสดงผลล่าสุด

วี.วี. Golubkov สรุปประสบการณ์ของครูวรรณคดีที่ดีที่สุดนำเสนอใน "วิธีการสอนวรรณกรรม" บทบัญญัติที่สำคัญสองประการสำหรับการศึกษางานละคร:

การศึกษาบทละคร "จะสมบูรณ์และมีประสิทธิผลมากขึ้นหากนักเรียนดูละครในโรงละครเป็นครั้งแรก";

“เป็นที่ยอมรับแล้วว่างานละครมีไว้สำหรับเวที และคำถามก็ตัดสินว่าผู้เขียนทำอะไรเพื่อจุดประสงค์นี้ และสิ่งที่นักแสดง ผู้กำกับ และมัณฑนากรควรทำอย่างไร”

สรุปผลของช่วงเวลานี้จำเป็นต้องเน้นถึงความสำคัญของวิธีการที่ทันสมัยของประสบการณ์ของนักระเบียบวิธีในครึ่งแรกXX ศตวรรษโดยเฉพาะอย่างยิ่งในการพัฒนาด้านประเภทในการศึกษางานศิลปะที่โรงเรียน: การแนะนำเทคนิคที่นำไปสู่ความเข้าใจในบทกวีประเภทนาฏกรรมตลอดจนการหาวิธีเรียนละครที่โรงเรียน .

อย่างไรก็ตาม ควรสังเกตว่านักวิทยาศาสตร์มักไม่พึ่งพาคุณลักษณะของละครประเภทดังกล่าวเสมอไป เนื่องจากเป็นละครที่เป็นของทั้งวรรณกรรมและละคร ไม่ต้องสงสัยเลยว่าการสอนการแสดงละครเริ่มพัฒนาอย่างแข็งขันภายใต้กรอบการศึกษาวรรณกรรมของโรงเรียน: เทคนิคใหม่ปรากฏขึ้นที่เกี่ยวข้องกับการเปรียบเทียบข้อความคลาสสิกที่ศึกษาและการเล่นของโรงเรียน ข้อเท็จจริงของชีวประวัติบนเวทีของงานละครถูกนำมาใช้อย่างแข็งขันในห้องเรียน (ส่วนใหญ่ในชั้นเรียนเบื้องต้นหรือขั้นสุดท้าย) ในขณะเดียวกัน การวิเคราะห์แหล่งที่มาเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของระเบียบวิธีทางวรรณกรรมแสดงให้เห็นว่ายังไม่มีระบบวิธีการศึกษาการละครที่ชัดเจน การนำเอาประวัติศาสตร์เวทีของละครมาใช้เป็นภาพประกอบเป็นหลัก อ่านข้อความ

ความพยายามครั้งแรกในการใช้ชีวประวัติของละครเป็นเครื่องมือในการวิเคราะห์สามารถพบได้ในประสบการณ์เชิงระเบียบวิธีของ A.S. Degozhskaya ซึ่งอยู่ในขั้นตอนการวิเคราะห์ภาพตัวละครเชิญครูให้พูดคุยเกี่ยวกับประวัติการแสดงละคร (เช่นเกี่ยวกับทัศนคติของ N.V. Gogol ต่อการผลิตครั้งแรกเกี่ยวกับ Gorodnichiy-Sosnitsky, Dyur ในบทบาทของ Khlestakov, Shchepkin's ประสิทธิภาพ). เป็นครั้งแรกที่ประวัติศาสตร์เวทีกลายเป็นเรื่องของการพิจารณาอย่างละเอียดในกระบวนการศึกษาละครของโรงเรียน วัตถุประสงค์ในการดึงดูดเนื้อหาการละครมาที่บทเรียนสำหรับ A.S. Degozhskaya มีดังต่อไปนี้: เพื่อแสดงความสำคัญของผู้อ่าน - นักแสดงที่ทำให้ภาพลักษณ์ของผู้เขียนสมบูรณ์แล้วดำเนินการวิเคราะห์งานของผู้กำกับ ในเวลาเดียวกันตาม E.S. Rogover ประวัติเวทีในบทความแรกนี้โดยนักระเบียบวิธี "กลายเป็นค่อนข้างหย่าขาดจากการวิเคราะห์บทละครและไม่สอดคล้องกับลักษณะของตัวละครในการสนทนาทั่วไป"

วิธีการสอนวรรณคดีในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 พยายามที่จะแก้ปัญหาของการศึกษาคุณธรรมและสุนทรียศาสตร์ด้วยศิลปะการละคร นักวิทยาศาสตร์เช่น N.A. Demidova, T.S. มีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการศึกษาปัญหาการสอนละครในโรงเรียน เซปาโลวา A.M. ซูวา, ดี.เอ. Klumbite, N.O. Korst, N.I. Kudryashev, V.G. Marantsman, N.D. มอลดาฟสกายา, วท.บ. ไนเดนอฟ, Ya.G. Nestrukh, มศว. Snezhnevskaya, T.V. Chirkovskaya, อี. เอส. โรโกเวอร์

มีการสำรวจวิธีการศึกษาการละครในด้านต่างๆ อย่างประสบผลสำเร็จ: วิธีการและเทคนิคในการวิเคราะห์ข้อความที่เป็นละครกำลังได้รับการพัฒนา ลักษณะการรับรู้ของบทละครกำลังได้รับการชี้แจง และวงกลมของแนวคิดเชิงทฤษฎีและวรรณกรรมกำลังถูกสร้างขึ้นซึ่งเป็นเครื่องมือ สำหรับการเรียนละครในบทเรียนของโรงเรียน นักระเบียบวิธีได้เสนอชุดวิธีการศึกษาละคร เช่น การฟังการบันทึกเสียงการแสดง (V.P. Medvedev) วิธีการเลือก “บทบาทสำหรับตัวคุณเอง” (T.S. Zepalova) โดยใช้คำอธิบายของผู้กำกับในกระบวนการวิเคราะห์ (N.A. Demidova), mise-en-scene (E.S. Rogover), การรวบรวมพจนานุกรมศัพท์ละคร (Z.S. Smelkova) เป็นต้น

ในงานของนักวิทยาศาสตร์ยังมีการพัฒนาแนวคิดเกี่ยวกับการสอนการแสดงละครอีกด้วย ดังนั้น N.I. Kudryashev ในงานของเขา“ The Study of Dramatic Works” พัฒนาความคิดของรุ่นก่อนของเขาว่าเมื่อเรียนละครจำเป็นต้องพึ่งพาชีวิตและการแสดงละครของนักเรียน ในขณะเดียวกัน ความรู้เกี่ยวกับโรงละครที่มีอยู่แล้วสำหรับนักเรียนจะต้องได้รับการเสริมสร้างอย่างต่อเนื่อง "นักเรียนต้องเข้าร่วมการแสดง" ผู้เขียนเขียน "แม้ว่าจะไม่ได้จัดทำโดยหลักสูตรของโรงเรียน แต่สามารถเข้าถึงได้ในวัยที่กำหนดและมีคุณค่าทางการศึกษาและการศึกษา" และที่สำคัญ การชมการแสดงต้องเตรียมและทำความเข้าใจอย่างรอบคอบ ในการทำเช่นนี้จำเป็นต้องทำความคุ้นเคยกับประวัติศาสตร์ของละคร (ตั้งแต่สมัยโบราณ) ให้กับนักเรียนเพื่อบอกรายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับโรงละครรัสเซียในศตวรรษที่ 19 เพื่ออธิบายหลักการของ Shchepkin และ Stanislavsky ซึ่งเป็นพื้นฐานของ โรงละครรัสเซียที่เหมือนจริงของศตวรรษที่ 20 เอ็น.ไอ. Kudryashev เสนอระบบแบบฝึกหัดที่มุ่งพัฒนาจินตนาการ (การอ่านบทกวี - อ่านบทกวีและร้อยแก้วด้วยบทสนทนา - การอ่านและการแสดงนิทาน - การจัดเตรียมเรื่องราวและการรวบรวมบทภาพยนตร์) ซึ่งจะทำให้นักเรียนสามารถจินตนาการถึงตัวละครในละครได้ในที่สุด และจากบรรทัดแรกของมันที่จะรวมอยู่ในการอ่านอย่างมีสติ

ประเด็นของการดึงดูดศิลปะการละครมาสู่บทเรียนวรรณกรรมนั้นถูกหยิบยกขึ้นมาจากผลงานของ E.A. Akulova, I.I. เชอร์โนวา

ในผลงานของ ม.อ. Snezhnevskaya "คุณสมบัติของการศึกษางานละคร" ลำดับความสำคัญคือการวิเคราะห์ตามการกระทำที่กำลังพัฒนาเนื่องจากช่วยในการเปิดเผยลักษณะของตัวละครอย่างค่อยเป็นค่อยไป (ผ่านการเปรียบเทียบคำพูดและการกระทำของตัวละคร) เพื่อเจาะลึก สาระสำคัญของความขัดแย้ง ผู้เขียนตั้งข้อสังเกตอย่างถูกต้องว่าเมื่อศึกษาผลงานละครเรื่องแรกสำหรับเด็กนักเรียน การเปิดเผยความเกี่ยวข้องโดยตรงกับโรงละครเป็นสิ่งสำคัญ และเมื่อพิจารณาละครในโรงเรียนมัธยมศึกษาตอนปลายจะมีสถานที่ขนาดใหญ่สำหรับประวัติความเป็นมาของการสร้างสรรค์และการพัฒนาละครและโรงละครของรัสเซีย ตามที่ ม.อ. Snezhnevskaya สามารถดูการแสดงกับนักเรียนก่อนหรือหลังเรียนบทละคร - ทั้งหมดขึ้นอยู่กับงานระเบียบวิธีที่ตั้งไว้

การแสดงละครของศตวรรษที่ 20 นำเสนอในหลักสูตรของโรงเรียนด้วยผลงานจำนวนเล็กน้อย หนึ่งหรือสองรายการได้รับการศึกษาภายใต้กรอบของหัวข้อเดียว ในขณะที่ส่วนที่เหลือจะได้รับการตรวจสอบในบริบทของการจัดการกับหัวข้อในประเด็นที่เกี่ยวข้อง งานหลักที่นักเรียนได้รับเชิญให้ทำงานคือ “The Cherry Orchard” โดย A.P. เชคอฟ "At the Bottom" โดย M. Gorky "Duck Hunt" โดย A.V. แวมปิลอฟ

เป็นที่น่าสังเกตว่าประวัติศาสตร์การแสดงละครโดย Chekhov และ Gorky ก็กลายเป็นเป้าหมายของความสนใจในบทเรียนวรรณคดี อย่างไรก็ตาม การอ้างอิงถึงเรื่องนี้ไม่ได้ให้ไว้ในขั้นตอนการวิเคราะห์เนื้อหาของงาน แต่บ่อยครั้งเมื่อสิ้นสุดการศึกษาหัวข้อและเป็นภาพประกอบ เฉพาะในหนึ่งในโปรแกรมที่ทันสมัย ​​(ภายใต้กองบรรณาธิการของ V.G. Marantsman) เมื่อศึกษา The Cherry Orchard ในระดับโปรไฟล์ การนำเสนอเนื้อหามีให้ในลักษณะที่นักเรียนสามารถเปรียบเทียบความคิดของ Chekhov และการดำเนินงานของผู้อำนวยการได้ ติดตามชะตากรรมต่อไปของละครเรื่องนี้และผลงานอื่นๆ ของนักเขียนบทละครบนเวทีและในโรงภาพยนตร์

ปรากฏการณ์ของละคร Chekhovian ใหม่และปัญหาทางสังคมและศีลธรรมของผลงานของ Gorky ซึ่งยากต่อการเข้าใจตนเองได้รับการแก้ไขครั้งเดียวไม่บ่อย - สองครั้งในระหว่างการฝึกนักเรียนมัธยมปลายทั้งหมดในปริมาณที่ค่อนข้างน้อย (ของ Gorky มีการศึกษางาน 3-4 ชั่วโมง Chekhov - 3-5 ชั่วโมงในระดับพื้นฐาน 7 ชั่วโมง - ที่ระดับโปรไฟล์) ดูเหมือนว่าเป็นไปได้ที่จะทำให้การอุทธรณ์นี้แตกต่างในเชิงคุณภาพเนื่องจากการรวมข้อเท็จจริงของประวัติศาสตร์เวทีในกระบวนการวิเคราะห์งาน เพื่อให้นักเรียนมีกิจกรรมสูงในกระบวนการวิเคราะห์และเข้าใจเจตนาของผู้เขียนอย่างลึกซึ้ง คุณสามารถเปลี่ยนแนวทางการศึกษางานละครได้ การใช้ประวัติศาสตร์เวทีเป็นเครื่องมือในการวิเคราะห์งานละคร สามารถรื้อฟื้นการรับรู้โดยตรงของนักเรียน ทำให้ลึกซึ้งและมีสติมากขึ้น จึงมีส่วนช่วยในการพัฒนาทักษะการสื่อความหมายตั้งแต่ระดับผู้อ่านธรรมดาไปจนถึง "ผู้อ่าน-ผู้ชม" ที่เตรียมไว้ ".

ดังนั้น เมื่อวิเคราะห์มรดกระเบียบวิธีในด้านการศึกษานาฏศิลป์และดึงดูดศิลปะการละครมาสู่บทเรียนวรรณกรรม เราสามารถสรุปและลดบทบัญญัติที่อธิบายไว้ในนั้นได้สามด้าน:

1) ผู้ชม (นักเรียนในบทบาทของผู้ชมเข้าใจความคิดริเริ่มทางอุดมการณ์และศิลปะของการแสดงและผ่านการเล่น)

2) การแสดง (นักเรียนในบทบาทของนักแสดง - การแสดง,
การแสดงละคร - โดยพื้นฐานแล้วทุกคนพยายามทำความเข้าใจผ่านบทบาทของพวกเขา
ลักษณะของตัวละครและสาระสำคัญของความขัดแย้ง);

3) เวที (ดึงดูดประวัติศาสตร์เวทีสู่บทเรียนวรรณกรรม เปรียบเทียบการตีความเป็นเทคนิคหลัก นักเรียนในบทบาทของนักวิจัย)

แง่มุมเหล่านี้สามารถนำมาใช้ได้ในทุกขั้นตอนของบทเรียน แต่ในความเห็นของเรา สิ่งเหล่านี้มีช่วงการใช้งานที่เหมาะสมที่สุด สำหรับผู้ชม นี่คือขั้นตอนสุดท้ายในการศึกษาละครโดยสรุปสิ่งที่วิเคราะห์แล้ว เมื่อการแสดงช่วยในการสร้างและรักษาแนวคิดเกี่ยวกับความสมบูรณ์ของงาน ก็นำการวิเคราะห์ทุกระดับมาไว้ด้วยกัน การเยี่ยมชมโรงละครสามารถทำได้ในช่วงแนะนำ แต่ในกรณีนี้จะต้องมีการวางแผนในลักษณะพิเศษ วิธีหนึ่งที่เป็นไปได้: ก่อนการแสดง คุณต้องถามคำถามเพื่อให้การดูไม่สิ้นสุดในตัวเอง และเพื่อให้นักเรียนมีจุดศูนย์กลางในความคิดของเขา ซึ่งเขาสามารถเชื่อมโยงสิ่งที่เขาเห็นได้เสมอ ในระหว่างการวิเคราะห์ข้อความ จะสามารถเปรียบเทียบสิ่งที่เขียน - สิ่งที่อ่าน - สิ่งที่เห็นได้เสมอ (ผู้เขียนอธิบายช่วงเวลาที่เฉพาะเจาะจงอย่างไร นักเรียนเข้าใจอย่างไร และนักแสดงเป็นตัวเป็นตนอย่างไร)

การดำเนินการด้านประสิทธิภาพเป็นไปได้ในขั้นตอนของการวิเคราะห์และในขั้นตอนสุดท้าย ในการเตรียมการ คุณสามารถใช้การอ่านที่แสดงออกซึ่งสะท้อนถึงความเข้าใจอย่างลึกซึ้งของสถานการณ์ ตัวละคร และความขัดแย้ง การแสดงฉากนั้นเป็นผลมาจากการวิเคราะห์อยู่แล้ว

การมีส่วนร่วมของข้อเท็จจริงของประวัติศาสตร์เวที การสาธิตคลิปวิดีโอของการแสดงต่างๆ ภายในกรอบด้านเวที เป็นการสมควรในทุกขั้นตอนของการวิเคราะห์งานนาฏกรรม ด้วยการใช้เทคนิคพิเศษในแต่ละขั้นตอนของการวิเคราะห์ ซึ่งจะกล่าวถึงในบทที่สอง คุณสามารถสร้างทัศนคติต่อการอ่าน เพิ่มการรับรู้ของข้อความ เข้าถึงแนวคิดของความเก่งกาจของภาพ และความเพียงพอของการตีความ และ มีส่วนช่วยในการสร้างการตีความส่วนบุคคล

มาสรุปเกี่ยวกับการใช้ประวัติเวทีในกระบวนการวิเคราะห์งานละครกันเถอะ:

ระเบียบวิธีศาสตร์ได้สั่งสมประสบการณ์ในการศึกษานาฏกรรมมาอย่างยาวนาน โดยเฉพาะอย่างยิ่ง ในกรณีส่วนใหญ่ เป็นที่ทราบกันว่าการวิเคราะห์ละครต้องอาศัยสาระสำคัญเฉพาะหลัก: จุดประสงค์ที่ตั้งใจไว้สำหรับผู้อ่านและผู้ดู

การมีส่วนร่วมของประวัติศาสตร์เวทีในการศึกษาบทละครมีลักษณะเป็น "การใช้" ซึ่งส่วนใหญ่เป็นการใช้ศักยภาพทางอุดมการณ์และการศึกษาของบทละคร ไม่มีระบบการมีส่วนร่วมที่เท่าเทียมกันของข้อความวรรณกรรมและละครในกระบวนการศึกษาวรรณกรรมของเด็กนักเรียน

สำหรับเราแล้ว ดูเหมือนว่าในสถานการณ์ทางสังคมวัฒนธรรมในปัจจุบัน จำเป็นต้องค้นหาวิธีการสร้างสรรค์ใหม่ๆ ในการทำงานกับงานละคร ออกแบบในด้านหนึ่งเพื่อให้การวิเคราะห์ข้อความมีประสิทธิผลมากขึ้น และการอ่านเป็นที่ต้องการและมีสติมากขึ้นในอีกด้านหนึ่ง เพื่อนำกระบวนการเรียนรู้ที่ใกล้ชิดกับความเป็นจริงของชีวิตในปัจจุบันและแนวโน้มของโรงละครสมัยใหม่ สำหรับสิ่งนี้ ในความเห็นของเรา จำเป็นต้องสร้างเงื่อนไขสำหรับกิจกรรมของนักเรียนในฐานะผู้กำกับการแสดง นักแสดง นักแต่งเพลง นักออกแบบเวที นักวิจารณ์ ฯลฯ

สิ่งสำคัญคือการจัดระเบียบงานอย่างเหมาะสมเพื่อที่ว่าเมื่อวิเคราะห์งาน เป็นไปไม่ได้ที่จะเอียงไปทางการออกแบบทางศิลปะและทางเทคนิค วัตถุประสงค์ของเทคนิคทั้งหมดนี้คือเพื่อให้เกิดความสนใจในการอ่านและตีความงานนาฏกรรม เพื่อพัฒนาการอ่านและเพื่อสร้างความสามารถในการรับชมของนักเรียนบนพื้นฐานของการทำความเข้าใจลักษณะการจัดประเภทของงานนาฏกรรม

ซึ่งทำให้โครงเรื่องสั้นแสดงความขัดแย้งของสังคม ความรู้สึก และความสัมพันธ์ของตัวละคร เผยให้เห็นประเด็นทางศีลธรรม โศกนาฏกรรม ตลก และแม้แต่ภาพสเก็ตช์สมัยใหม่ล้วนเป็นงานศิลปะที่มีต้นกำเนิดในกรีกโบราณ

ละคร: หนังสือที่มีลักษณะซับซ้อน

ในภาษากรีกคำว่า "ละคร" หมายถึง "การกระทำ" ละคร (นิยามในวรรณคดี) เป็นงานที่เปิดเผยความขัดแย้งระหว่างตัวละคร ลักษณะของตัวละครถูกเปิดเผยผ่านการกระทำ และจิตวิญญาณ - ผ่านบทสนทนา งานประเภทนี้มีพล็อตแบบไดนามิกประกอบด้วยบทสนทนาของตัวละครไม่บ่อยนัก - บทพูดคนเดียวหรือบทพูด

ละครสมัยใหม่

วันนี้ Dramaturgy ยังคงพัฒนา แต่ในขณะเดียวกันก็ถูกสร้างขึ้นตามกฎคลาสสิกทั้งหมดของประเภท

ในรัสเซียปัจจุบัน ละครในวรรณคดีมีชื่อเช่น Nikolai Erdman, Mikhail Chusov เมื่อขอบเขตและข้อตกลงต่าง ๆ ถูกลบทิ้ง ธีมที่เป็นโคลงสั้น ๆ และความขัดแย้งก็ปรากฏให้เห็น ซึ่งส่งผลกระทบต่อ Wystan Auden, Thomas Bernhard และ Martin McDonagh

ในอีกด้านหนึ่ง เมื่อทำงานในละคร จะใช้วิธีการที่อยู่ในคลังแสงของนักเขียน แต่ในทางกลับกัน งานไม่ควรเป็นวรรณกรรม ผู้เขียนบรรยายเหตุการณ์ในลักษณะที่ผู้ที่จะอ่านแบบทดสอบสามารถเห็นทุกสิ่งที่เกิดขึ้นในจินตนาการของเขา ตัวอย่างเช่น แทนที่จะพูดว่า "พวกเขานั่งที่บาร์เป็นเวลานานมาก" คุณสามารถเขียนว่า "พวกเขาดื่มเบียร์ไปอย่างละ 6 ขวด" เป็นต้น

ในละคร สิ่งที่เกิดขึ้นไม่ได้แสดงผ่านการไตร่ตรองภายใน แต่แสดงผ่านการกระทำภายนอก ยิ่งกว่านั้นเหตุการณ์ทั้งหมดเกิดขึ้นในปัจจุบัน

นอกจากนี้ยังมีข้อ จำกัด บางประการเกี่ยวกับปริมาณงานเนื่องจาก ต้องนำเสนอบนเวทีภายในเวลาที่กำหนด (สูงสุด 3-4 ชั่วโมง)

ความต้องการของละครในฐานะศิลปะการแสดงบนเวที ทิ้งร่องรอยไว้ที่พฤติกรรม ท่าทาง คำพูดของตัวละคร ซึ่งมักพูดเกินจริง สิ่งที่ไม่สามารถเกิดขึ้นได้ในชีวิตภายในเวลาไม่กี่ชั่วโมง ในละครก็สามารถทำได้เป็นอย่างดี ในขณะเดียวกัน ผู้ฟังจะไม่แปลกใจกับความธรรมดา ความไม่น่าเชื่อ เพราะ ประเภทนี้ในขั้นต้นช่วยให้พวกเขาได้ในระดับหนึ่ง

ในสมัยของหนังสือที่มีราคาแพงและไม่สามารถเข้าถึงได้สำหรับหลาย ๆ คน ละคร (ในฐานะการแสดงต่อสาธารณะ) เป็นรูปแบบชั้นนำของการทำซ้ำทางศิลปะของชีวิต อย่างไรก็ตาม ด้วยการพัฒนาเทคโนโลยีการพิมพ์ ทำให้สูญเสียความเป็นมหากาพย์ไป อย่างไรก็ตาม แม้กระทั่งทุกวันนี้ การแสดงละครยังคงเป็นที่ต้องการของสังคม ผู้ชมหลักของละครเรื่องนี้คือผู้ชมละครและผู้ชมภาพยนตร์ ยิ่งกว่านั้นจำนวนคนหลังมีมากกว่าจำนวนผู้อ่าน

การแสดงละครสามารถอยู่ในรูปแบบของบทละครและบทได้ ทั้งนี้ขึ้นอยู่กับวิธีการแสดงละคร งานละครทั้งหมดที่ตั้งใจจะแสดงจากเวทีละครเรียกว่าละคร (French pi èce) ผลงานละครที่สร้างจากภาพยนตร์เป็นบท ทั้งบทละครและบทมีคำพูดของผู้เขียนเพื่อระบุเวลาและสถานที่ของการกระทำ ระบุอายุ ลักษณะที่ปรากฏของตัวละคร ฯลฯ

โครงสร้างของบทละครเป็นไปตามโครงสร้างของเรื่อง โดยปกติ บทละครจะถูกกำหนดให้เป็นการแสดง (การกระทำ) ปรากฏการณ์ ตอน รูปภาพ

ประเภทหลักของงานละคร:

- ละคร

- โศกนาฏกรรม

- ตลก

- โศกนาฏกรรม

- เรื่องตลก

- เพลง

- ร่าง

ละคร

ละครเป็นงานวรรณกรรมที่แสดงถึงความขัดแย้งที่รุนแรงระหว่างนักแสดงหรือระหว่างนักแสดงกับสังคม ความสัมพันธ์ระหว่างตัวละคร (ฮีโร่และสังคม) ในงานประเภทนี้มักเต็มไปด้วยละคร ในระหว่างการพัฒนาโครงเรื่อง มีการต่อสู้ที่รุนแรงทั้งภายในตัวละครแต่ละตัวและระหว่างพวกเขา

แม้ว่าความขัดแย้งจะรุนแรงมากในละคร แต่ก็สามารถแก้ไขได้ สถานการณ์นี้อธิบายถึงการวางอุบาย ความคาดหวังที่ตึงเครียดของผู้ชม ไม่ว่าฮีโร่ (ฮีโร่) จะสามารถออกจากสถานการณ์ได้หรือไม่

ละครเรื่องนี้มีลักษณะของชีวิตประจำวันจริง การกำหนดคำถาม "มนุษย์" เกี่ยวกับการดำรงอยู่ของมนุษย์ การเปิดเผยตัวละครอย่างลึกซึ้ง โลกภายในของตัวละคร

ละครมีหลายประเภทเช่นประวัติศาสตร์สังคมปรัชญา ละครเป็นเรื่องประโลมโลก ในนั้นตัวละครแบ่งออกเป็นบวกและลบอย่างชัดเจน

ละครที่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง: Othello โดย W. Shakespeare, At the Bottom โดย M. Gorky, Cat on a Hot Roof โดย T. Williams

โศกนาฏกรรม

โศกนาฏกรรม (จากบทกวีกรีก tragos - "เพลงแพะ") เป็นงานวรรณกรรมที่มีพื้นฐานมาจากความขัดแย้งในชีวิตที่ไม่สามารถประนีประนอมได้ โศกนาฏกรรมมีลักษณะเฉพาะด้วยการต่อสู้กันอย่างดุเดือดของตัวละครที่แข็งแกร่งและกิเลสตัณหา ซึ่งจบลงด้วยผลลัพธ์ที่หายนะสำหรับตัวละคร (โดยปกติคือความตาย)

ความขัดแย้งของโศกนาฏกรรมมักจะลึกซึ้งมาก มีความหมายสากลและสามารถเป็นสัญลักษณ์ได้ ตามกฎแล้วตัวเอกต้องทนทุกข์ทรมานอย่างสุดซึ้ง (รวมถึงจากความสิ้นหวัง) ชะตากรรมของเขาไม่มีความสุข

ข้อความของโศกนาฏกรรมมักจะฟังดูน่าสมเพช โศกนาฏกรรมมากมายเขียนเป็นกลอน

โศกนาฏกรรมที่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง: "Chained Prometheus" โดย Aeschylus, "Romeo and Juliet" โดย W. Shakespeare, "Thunderstorm" โดย A. Ostrovsky

ตลก

ตลก (จากบทกวีกรีก komos - "เพลงร่าเริง") เป็นงานวรรณกรรมที่ตัวละครสถานการณ์และการกระทำถูกนำเสนออย่างตลกขบขันโดยใช้อารมณ์ขันและการเสียดสี ในขณะเดียวกัน ตัวละครก็ค่อนข้างเศร้าหรือเศร้า

ตลกมักนำเสนอทุกสิ่งที่น่าเกลียดและไร้สาระ ตลกและเคอะเขินเยาะเย้ยความชั่วร้ายทางสังคมหรือในประเทศ

ความขบขันแบ่งออกเป็นความตลกขบขันของหน้ากาก ตำแหน่ง ตัวละคร ประเภทนี้ยังรวมถึงเรื่องตลก, เพลง, การแสดง, สเก็ตช์

คอมเมดี้ของสถานการณ์ (คอมเมดี้ของสถานการณ์, สถานการณ์ตลก) เป็นงานคอมเมดี้ดราม่าที่เหตุการณ์และสถานการณ์ต่างๆ เป็นที่มาของเรื่องตลก

ตลกของตัวละคร (comed of มารยาท) เป็นงานละครตลกที่แหล่งที่มาของอารมณ์ขันเป็นสาระสำคัญภายในของตัวละคร (ศีลธรรม) ตลกและน่าเกลียดด้านเดียวลักษณะเกินจริงหรือความหลงใหล (รองข้อบกพร่อง)
เรื่องตลกเป็นเรื่องตลกเบา ๆ ที่ใช้เทคนิคการ์ตูนง่ายๆ และได้รับการออกแบบมาเพื่อให้มีรสชาติที่หยาบกร้าน มักใช้เรื่องตลกในละครสัตว์ลูเนด

Vaudeville เป็นหนังตลกเบาบางที่มีการวางอุบายที่ให้ความบันเทิง ซึ่งมีการเต้นและเพลงจำนวนมาก ในสหรัฐอเมริกา เพลงสรรเสริญเรียกว่าละครเพลง ในรัสเซียสมัยใหม่ เป็นเรื่องปกติที่จะพูดว่า "ดนตรี" ซึ่งหมายถึงเพลง

Interlude เป็นฉากการ์ตูนขนาดเล็กที่เล่นระหว่างการกระทำของการแสดงหลักหรือการแสดง

สเก็ตช์ (สเก็ตช์ภาษาอังกฤษ - “สเก็ตช์ สเก็ตช์ สเก็ตช์”) เป็นงานตลกสั้นๆ ที่มีอักขระสองหรือสามตัว โดยปกติการนำเสนอภาพสเก็ตช์จะใช้บนเวทีและโทรทัศน์

คอเมดี้ที่เป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง: "The Frogs" โดย Aristophanes "The Government Inspector" โดย N. Gogol "Woe from Wit" โดย A. Griboyedov

รายการโทรทัศน์ที่มีชื่อเสียง: Russian, Town, Monty Python's Flying Circus

โศกนาฏกรรม

Tragicomedy เป็นงานวรรณกรรมที่มีเนื้อเรื่องที่น่าสลดใจในรูปแบบการ์ตูนหรือเป็นองค์ประกอบที่น่าเศร้าและตลกแบบสุ่ม ในโศกนาฏกรรมตอนที่จริงจังจะถูกรวมเข้ากับตอนตลกตัวละครที่ยอดเยี่ยมถูกกำหนดโดยตัวการ์ตูน วิธีการหลักของโศกนาฏกรรมคือพิลึก

เราสามารถพูดได้ว่า "โศกนาฏกรรมเป็นเรื่องตลกในโศกนาฏกรรม" หรือในทางกลับกัน "โศกนาฏกรรมในเรื่องตลก"

โศกนาฏกรรมที่รู้จักกันดี: "Alcestis" โดย Euripides, "The Tempest" โดย W. Shakespeare, "The Cherry Orchard" โดย A. Chekhov, ภาพยนตร์เรื่อง "Forrest Gump", "The Great Dictator", "The Same Munchazen"

ข้อมูลรายละเอียดเพิ่มเติมเกี่ยวกับหัวข้อนี้สามารถพบได้ในหนังสือของ A. Nazaikin

ละคร(กรีกโบราณδρμα - การกระทำ, การกระทำ) - หนึ่งในสามประเภทของวรรณกรรมพร้อมกับมหากาพย์และเนื้อเพลงเป็นของศิลปะสองประเภทพร้อมกัน: วรรณกรรมและละคร ละครมีจุดมุ่งหมายเพื่อเล่นบนเวที ละครแตกต่างไปจากบทกวีมหากาพย์และบทกวีอย่างเป็นทางการโดยที่ข้อความในนั้นถูกนำเสนอในรูปแบบของตัวละครจำลองและคำพูดของผู้แต่ง และตามกฎแล้ว แบ่งออกเป็นการกระทำและปรากฏการณ์ งานวรรณกรรมใดๆ ที่สร้างขึ้นในรูปแบบบทสนทนา รวมทั้งเรื่องตลก โศกนาฏกรรม ละคร (ตามประเภท) เรื่องตลก บทเพลง ฯลฯ หมายถึงละครไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง

ตั้งแต่สมัยโบราณมีอยู่ในนิทานพื้นบ้านหรือวรรณกรรมในหมู่ชนชาติต่างๆ ชาวกรีกโบราณ อินเดียโบราณ จีน ญี่ปุ่น และอินเดียนแดงของอเมริกาเป็นอิสระจากกัน ได้สร้างประเพณีอันน่าทึ่งของตนเองขึ้น

แปลตามตัวอักษรจากภาษากรีกโบราณ ละคร แปลว่า "การกระทำ"

ความเฉพาะเจาะจงของละครในฐานะวรรณกรรมประเภทหนึ่งอยู่ในองค์กรพิเศษของสุนทรพจน์ทางศิลปะ ซึ่งแตกต่างจากมหากาพย์ ไม่มีการบรรยายในละคร และการพูดโดยตรงของตัวละคร บทสนทนาและบทพูดคนเดียวมีความสำคัญยิ่ง

ละครมีจุดมุ่งหมายเพื่อจัดฉาก ซึ่งจะกำหนดลักษณะเฉพาะของละคร:

1. ไม่มีภาพบรรยาย-บรรยาย;
2. คำพูดของผู้เขียน "เสริม" (หมายเหตุ);
3. ข้อความหลักของงานละครถูกนำเสนอในรูปแบบของตัวละครจำลอง (การพูดคนเดียวและบทสนทนา);
4. ละครเป็นวรรณกรรมประเภทหนึ่งไม่มีวิธีการทางศิลปะและภาพที่หลากหลายเช่นมหากาพย์: คำพูดและการกระทำเป็นวิธีการหลักในการสร้างภาพลักษณ์ของฮีโร่
5. ปริมาณของข้อความและระยะเวลาของการกระทำถูกจำกัดโดยเฟรมของพื้นที่งาน
6. ความต้องการของศิลปะบนเวทียังกำหนดคุณลักษณะของละครเช่นการพูดเกินจริง (hyperbolization): "การพูดเกินจริงของเหตุการณ์การพูดเกินจริงความรู้สึกและการแสดงออกที่เกินจริง" (L.N. Tolstoy) - กล่าวอีกนัยหนึ่งคือการแสดงละคร, การแสดงออกที่เพิ่มขึ้น; ผู้ชมละครเรื่องนี้รู้สึกได้ถึงความธรรมดาของสิ่งที่เกิดขึ้น ซึ่ง A.S. พุชกิน: “แก่นแท้ของนาฏศิลป์ไม่มีความสมเหตุสมผล... เมื่ออ่านบทกวี นวนิยาย เรามักจะลืมตัวเองและเชื่อว่าเหตุการณ์ที่อธิบายไว้ไม่ใช่นิยาย แต่เป็นเรื่องจริง ในบทกวีที่สง่างามเราสามารถคิดได้ว่ากวีแสดงความรู้สึกที่แท้จริงของเขาในสถานการณ์จริง แต่ความน่าเชื่อในตึกไหนแบ่งเป็น 2 ส่วน ส่วนหนึ่งเต็มไปด้วยผู้ชมที่ตกลงกันไว้ เป็นต้น

รูปแบบดั้งเดิมของพล็อตงานละครใด ๆ :

EXPOSITION - การนำเสนอของฮีโร่

STRING - ปะทะกัน

การพัฒนาการกระทำ - ชุดของฉาก, การพัฒนาความคิด

CULMINATION - สุดยอดของความขัดแย้ง

ประณาม

ประวัติละคร

พื้นฐานของละครอยู่ในกวีนิพนธ์ดั้งเดิม ซึ่งองค์ประกอบของการแต่งบทเพลง มหากาพย์ และละคร ซึ่งต่อมาได้รวมเข้ากับดนตรีและการเคลื่อนไหวเลียนแบบ ก่อนหน้าชนชาติอื่น ๆ ละครเป็นกวีนิพนธ์ประเภทพิเศษเกิดขึ้นในหมู่ชาวฮินดูและกรีก

ละครกรีกซึ่งพัฒนาเรื่องราวทางศาสนาและตำนานที่ร้ายแรง (โศกนาฏกรรม) และเรื่องราวที่น่าขบขันจากชีวิตสมัยใหม่ (ตลก) มาถึงความสมบูรณ์แบบสูงและในศตวรรษที่ 16 เป็นแบบอย่างสำหรับละครยุโรปซึ่งจนถึงเวลานั้นได้ประมวลผลแผนการทางศาสนาและการเล่าเรื่องอย่างไร้ฝีมือ (ความลึกลับ, ละครโรงเรียนและฉากสลับฉาก, fastnachtspiel, sottises)

นักเขียนบทละครชาวฝรั่งเศสเลียนแบบชาวกรีก ปฏิบัติตามบทบัญญัติบางประการอย่างเคร่งครัดซึ่งถือว่าไม่แปรผันสำหรับศักดิ์ศรีทางสุนทรียะของละคร ได้แก่ ความสามัคคีของเวลาและสถานที่ ระยะเวลาของตอนที่ปรากฎบนเวทีไม่ควรเกินหนึ่งวัน การกระทำจะต้องเกิดขึ้นในที่เดียวกัน ละครควรพัฒนาอย่างถูกต้องใน 3-5 องก์ ตั้งแต่โครงเรื่อง (การหาตำแหน่งเริ่มต้นและตัวละครของตัวละคร) ไปจนถึงความผันผวนระดับกลาง (การเปลี่ยนแปลงในตำแหน่งและความสัมพันธ์) ไปจนถึงบทสรุป (มักจะเป็นหายนะ) จำนวนนักแสดงจำกัดมาก (ปกติ 3 ถึง 5); เหล่านี้เป็นเพียงตัวแทนสูงสุดของสังคม (ราชา ราชินี เจ้าชายและเจ้าหญิง) และคนรับใช้ที่ใกล้ชิดที่สุดของพวกเขา ผู้ใกล้ชิด ซึ่งได้รับการแนะนำให้รู้จักบนเวทีเพื่อความสะดวกในการเจรจาและกล่าวสุนทรพจน์ นี่คือลักษณะสำคัญของละครคลาสสิกฝรั่งเศส (Corneille, Racine)

ความเข้มงวดของข้อกำหนดของสไตล์คลาสสิกเป็นที่เคารพน้อยกว่าในภาพยนตร์ตลก (Molière, Lope de Vega, Beaumarchais) ซึ่งค่อยๆเปลี่ยนจากธรรมดาไปสู่การพรรณนาถึงชีวิตธรรมดา (ประเภท) งานของเช็คสเปียร์ที่ปราศจากธรรมเนียมปฏิบัติ ได้เปิดเส้นทางใหม่สำหรับละคร ปลายศตวรรษที่ 18 และครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 มีการแสดงละครโรแมนติกและละครระดับชาติ: Lessing, Schiller, Goethe, Hugo, Kleist, Grabbe

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ความสมจริงมีชัยในละครยุโรป (ลูกชาย Dumas, Ogier, Sardou, Paleron, Ibsen, Suderman, Schnitzler, Hauptmann, Beyerlein)

ในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 19 ภายใต้อิทธิพลของ Ibsen และ Maeterlinck สัญลักษณ์เริ่มเข้ายึดครองยุโรป (Hauptmann, Pshibyshevsky, Bar, D'Annunzio, Hofmannsthal)

ประเภทละคร

• โศกนาฏกรรมเป็นประเภทของนิยายที่ตั้งใจจะจัดฉาก ซึ่งโครงเรื่องนำตัวละครไปสู่ผลลัพธ์ที่หายนะ โศกนาฏกรรมถูกทำเครื่องหมายด้วยความจริงจังอย่างรุนแรงแสดงให้เห็นความเป็นจริงอย่างรวดเร็วที่สุดในฐานะกลุ่มความขัดแย้งภายในเผยให้เห็นความขัดแย้งที่ลึกที่สุดของความเป็นจริงในรูปแบบที่รุนแรงและเข้มข้นอย่างยิ่งซึ่งได้รับความหมายของสัญลักษณ์ทางศิลปะ โศกนาฏกรรมส่วนใหญ่เขียนเป็นกลอน งานมักจะเต็มไปด้วยสิ่งที่น่าสมเพช ประเภทที่ตรงกันข้ามคือแนวตลก
• ละคร (จิตวิทยา อาชญากรรม อัตถิภาวนิยม) เป็นวรรณกรรม (ละคร) เวทีและภาพยนตร์ มันได้รับการเผยแพร่โดยเฉพาะในวรรณคดีของศตวรรษที่ 18-21 ค่อยๆแทนที่ประเภทของละคร - โศกนาฏกรรมอีกประเภทหนึ่งซึ่งตรงกันข้ามกับเนื้อเรื่องในชีวิตประจำวันที่โดดเด่นและรูปแบบที่ใกล้ชิดกับความเป็นจริงในชีวิตประจำวันมากขึ้น ด้วยการถือกำเนิดของภาพยนตร์ เขายังย้ายเข้าสู่งานศิลปะประเภทนี้ กลายเป็นหนึ่งในประเภทที่พบบ่อยที่สุด (ดูหมวดหมู่ที่เกี่ยวข้อง)
• ละครแสดงถึงชีวิตส่วนตัวของบุคคลและความขัดแย้งทางสังคมของเขาโดยเฉพาะ ในเวลาเดียวกัน มักเน้นไปที่ความขัดแย้งของมนุษย์ที่เป็นสากล ซึ่งรวมอยู่ในพฤติกรรมและการกระทำของตัวละครที่เฉพาะเจาะจง

  แนวคิดของ "ละครเป็นประเภท" (แตกต่างจากแนวคิดของ "ละครเป็นวรรณกรรมประเภทหนึ่ง") เป็นที่รู้จักในการวิจารณ์วรรณกรรมรัสเซีย ดังนั้น B.V. Tomashevsky จึงเขียนว่า:
  

  ในศตวรรษที่สิบแปด จำนวน<драматических>ประเภทเพิ่มขึ้น นอกจากประเภทการละครที่เข้มงวดแล้ว ยังมีการโปรโมตประเภทที่ "ยุติธรรม" ที่ต่ำกว่า: แนวตลกขบขันของอิตาลี, เพลง, ล้อเลียน ฯลฯ ประเภทเหล่านี้เป็นที่มาของเรื่องตลกสมัยใหม่ พิลึก โอเปร่า และย่อส่วน ความตลกขบขันแยกออกเป็น "ละคร" ออกจากตัวมันเอง นั่นคือการเล่นที่มีธีมประจำวันที่ทันสมัย ​​แต่ไม่มีสถานการณ์ "การ์ตูน" ที่เฉพาะเจาะจง ("โศกนาฏกรรมชนชั้นนายทุนน้อย" หรือ "ความตลกขบขันน้ำตา")<...>ละครเข้ามาแทนที่แนวอื่น ๆ ในศตวรรษที่ 19 อย่างเด็ดขาด โดยสอดคล้องกับวิวัฒนาการของนวนิยายทางจิตวิทยาและในชีวิตประจำวัน

  ในทางกลับกัน ละครเป็นประเภทหนึ่งในประวัติศาสตร์วรรณคดีแบ่งออกเป็นการดัดแปลงแยกกันหลายประการ:

  ดังนั้น ศตวรรษที่ 18 เป็นช่วงเวลาของละครชนชั้นนายทุนน้อย (J. Lillo, D. Diderot, P.-O. Beaumarchais, G. E. Lessing, F. Schiller ตอนต้น)
  ในศตวรรษที่ 19 ละครที่สมจริงและเป็นธรรมชาติได้รับการพัฒนา (A. N. Ostrovsky, G. Ibsen, G. Hauptman, A. Strindberg, A. P. Chekhov)
  ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ละครสัญลักษณ์ได้พัฒนาขึ้น (M. Maeterlinck)
  ในศตวรรษที่ 20 - ละครเซอร์เรียลลิสต์, ละครแสดงออก (F. Werfel, W. Hasenclever), ละครไร้สาระ (S. Beckett, E. Ionesco, E. Albee, V. Gombrowicz) เป็นต้น
  

  นักเขียนบทละครหลายคนในศตวรรษที่ 19 และ 20 ใช้คำว่า "ละคร" เป็นชื่อสำหรับประเภทของผลงานละครของพวกเขา

• ละครในข้อ - เหมือนกันทั้งหมดในรูปแบบบทกวีเท่านั้น
• Melodrama เป็นประเภทของนิยาย ศิลปะการละคร และภาพยนตร์ ซึ่งเผยให้เห็นโลกฝ่ายวิญญาณและเย้ายวนของวีรบุรุษในสถานการณ์ทางอารมณ์ที่สดใสโดยเฉพาะอย่างยิ่งตามความแตกต่าง: ความดีและความชั่ว ความรักและความเกลียดชัง ฯลฯ
• Hierodrama - ในฝรั่งเศสของคำสั่งเก่า (ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18) ชื่อขององค์ประกอบเสียงร้องสำหรับเสียงสองเสียงหรือมากกว่าในหัวข้อในพระคัมภีร์
  ไม่เหมือน oratorios และความลึกลับ hierodramas ไม่ได้ใช้คำของเพลงสดุดีละติน แต่เป็นข้อความของกวีชาวฝรั่งเศสร่วมสมัยและไม่ได้แสดงในโบสถ์ แต่ในคอนเสิร์ตทางจิตวิญญาณในวังตุยเลอรี
• โดยเฉพาะอย่างยิ่งคำพูดของวอลแตร์ถูกนำเสนอในปี ค.ศ. 1780 เรื่อง "The Sacrifice of Abraham" (ดนตรีโดย Cambini) และในปี พ.ศ. 2326 "Samson" ประทับใจกับการปฏิวัติ Desogier ได้แต่ง cantata Hierodrama ของเขา
• ความลึกลับเป็นหนึ่งในประเภทของโรงละครยุคกลางของยุโรปที่เกี่ยวข้องกับศาสนา
• เนื้อเรื่องลึกลับมักจะนำมาจากพระคัมภีร์หรือพระกิตติคุณและสลับกับฉากการ์ตูนประจำวันต่างๆ ตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 15 ความลึกลับเริ่มเพิ่มมากขึ้น "ความลึกลับของกิจการของอัครสาวก" มีมากกว่า 60,000 ข้อ และการนำเสนอในบูร์ชในปี ค.ศ. 1536 ดำเนินไป 40 วันตามหลักฐาน
• หากในอิตาลีความลึกลับนั้นตายโดยธรรมชาติแล้วในประเทศอื่น ๆ อีกจำนวนหนึ่งก็ถูกห้ามในระหว่างการต่อต้านการปฏิรูป โดยเฉพาะอย่างยิ่งในฝรั่งเศส - 17 พฤศจิกายน ค.ศ. 1548 ตามคำสั่งของรัฐสภาปารีส ในโปรเตสแตนต์อังกฤษในปี 1672 บิชอปแห่งเชสเตอร์สั่งห้ามความลึกลับนี้ และสามปีต่อมา อาร์คบิชอปแห่งยอร์กก็สั่งห้ามซ้ำ ในสเปนคาทอลิก การแสดงลึกลับดำเนินต่อไปจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 พวกเขาแต่งโดย Lope de Vega และ Tirso de Molina และ Calderon de la Barca, Pedro; เฉพาะในปี ค.ศ. 1756 พวกเขาถูกสั่งห้ามอย่างเป็นทางการโดยพระราชกฤษฎีกาของ Charles III
• ความขบขันเป็นประเภทของนวนิยายที่มีลักษณะตลกขบขันหรือเสียดสี เช่นเดียวกับละครประเภทหนึ่งที่มีการแก้ไขช่วงเวลาแห่งความขัดแย้งอย่างมีประสิทธิผลหรือการต่อสู้ของตัวละครที่เป็นปรปักษ์กัน
  อริสโตเติลนิยามความตลกขบขันว่าเป็น "การเลียนแบบคนที่เลวร้ายที่สุด แต่ไม่ใช่ในความเลวทรามของพวกเขา แต่ในทางที่ไร้สาระ" ("Poetics", ch. V) ละครตลกเรื่องแรกสุดที่ยังหลงเหลืออยู่ถูกสร้างขึ้นในเอเธนส์โบราณและเป็นของปากกาของอริสโตเฟน

  แยกแยะ สถานการณ์ตลกและ ตลกของตัวละคร.

  ซิทคอม (สถานการณ์ตลก, สถานการณ์ตลก) เป็นหนังตลกที่เหตุการณ์และสถานการณ์เป็นที่มาของเรื่องตลก
  ตลกของตัวละคร (มารยาทตลก) เป็นหนังตลกที่แหล่งที่มาของความตลกคือแก่นแท้ภายในของตัวละคร (มอร์ส) ความตลกขบขันและน่าเกลียดด้านเดียว ลักษณะเฉพาะหรือความหลงใหลที่เกินจริง (รอง ข้อบกพร่อง) บ่อยครั้งที่ความตลกขบขันของมารยาทเป็นเรื่องตลกเสียดสีเยาะเย้ยคุณสมบัติของมนุษย์ทั้งหมดเหล่านี้

• โวเดอวิลล์- การแสดงตลกพร้อมเพลงประกอบและการเต้นรำ รวมถึงประเภทของนาฏศิลป์ ในรัสเซียต้นแบบของเพลงเป็นละครตลกขนาดเล็กในช่วงปลายศตวรรษที่ 17 ซึ่งยังคงอยู่ในละครของโรงละครรัสเซียแม้ในช่วงต้นศตวรรษที่ 19
• เรื่องตลก- คอมเมดี้ของเนื้อหาเบาที่มีเทคนิคการ์ตูนภายนอกล้วนๆ
  ในยุคกลาง ละครพื้นบ้านและวรรณกรรมประเภทหนึ่งซึ่งแพร่หลายในศตวรรษที่ 14-16 ในประเทศแถบยุโรปตะวันตกเรียกอีกอย่างว่าเรื่องตลก เมื่อเติบโตขึ้นภายในความลึกลับ เรื่องตลกได้รับอิสรภาพในศตวรรษที่ 15 และในศตวรรษหน้าจะกลายเป็นประเภทที่โดดเด่นในโรงละครและวรรณคดี เทคนิคการตลกขบขันได้รับการเก็บรักษาไว้ในการแสดงตลกของคณะละครสัตว์
  องค์ประกอบหลักของเรื่องตลกไม่ใช่การเสียดสีทางการเมือง แต่เป็นการแสดงภาพชีวิตในเมืองที่ผ่อนคลายและไร้กังวลพร้อมเหตุการณ์อื้อฉาวความลามกอนาจารความหยาบคายและความสนุกสนาน ในเรื่องตลกของฝรั่งเศสหัวข้อเรื่องอื้อฉาวระหว่างคู่สมรสมักแตกต่างกันไป
  ในภาษารัสเซียสมัยใหม่ เรื่องตลกมักเรียกว่าคำหยาบคาย ซึ่งเป็นการเลียนแบบกระบวนการ เช่น การพิจารณาคดี